En cuantas ocasiones me habré deleitado con Bob Dylan y su magistral “Blowin’ in the Wind”, pero nunca llegando hasta el punto de derramar una lágrima que colmase mis emociones. Hugues Aufrey y su versión de la misma, cantada en francés, ha provocado algo bastante inusual en mí… No he podido contenerme!!!
Hoy estreno sección tomando prestado el espacio que conocí a través de Diego Rodríguez de Juan y su programa ‘El Sótano’ de Radio 3, especializado en sonidos garage, surf, frat rock y sus posteriores revivals.
Al margen de opiniones, que seguro las habrá de todos los colores, cuando suceden situaciones como la acontecida la pasada semana en Haití, he de aplaudir la iniciativa de los pesos pesados del ‘show-business’ musical, porque sin entrar en posibles baños de ego y aumentos de popularidad, si no se mueven ellos, con su mediática capacidad, adecuada para centrar la atención y poder hacerse algo, ¿quién lo haría?
Cinco buenas actuaciones por una buena causa. Es con ello con lo que me quedo!!!
Yeasayer son una experiencia sensorial en toda regla. Esta banda con base en Brooklyn (New York), y formada por Anand Wilder, Ira Wolf Tuton y Chris Keating, describe surrealistamente su música como “gospel psicodélico de Oriente Medio”. Y es que resulta difícil etiquetar su aproximación al pop experimental, en la que reconocen influencias tan dispares como la electrónica experimental de White Noise, el clásico del R&B Don Convay, o el hip hop de Wreckx-N-Effect. Si a ello añadimos un empaque visual lisérgico y espectacular, tanto en sus videos como en sus directos, está claro que la suya es una formula única.
Una apuesta original que ha llamado la atención de artistas como MGMT, Man Man o Beck, que escogieron a Yeasayer para participar en sus más recientes giras; y del director Vincent Moon que les filmó realizando una actuación a capella en el metro de París para su ya famosa Blogothèque. Tras la aparición en 2007 del su primer álbum, “All Hour Cymbals” (We are free), (cuyo primer single, “Sunrise”, sonó en la serie de TV de culto “Entourage”), el grupo no ha parado de cosechar parabienes en algunos de los más selectos festivales del mundo como el South By Southwest 2007, el Lollapalooza 2008, el Reading/Leeds 2008, el Roskilde 2008, o el Pitchfork Music 2009.
Los de Brooklyn presentaron el pasado octubre, su segundo álbum "Odd Blood" (Secretly Canadian/Mute) con un brillante show lumínico en el Guggenheim de New York, el cual saldrá a la venta el próximo 9 de febrero. Tan sólo un mes más tarde, su inclasificable espectáculo llegará a España: el 16 de marzo en la sala Apolo 2 de Barcelona y el 17 de marzo en la sala Moby Dick de Madrid, además de en el “Primavera Sound 2010”.
Os dejo con ‘Ambling Alp’, single de su citado segundo trabajo, cuyo videoclip está dirigido por Radical Friend y producido por Daft Arts y Spy Films.
Y rescato ‘2080’ como muestra del espectáculo que son capaces de ofrecer.
Esta tarde tras ver “La science des rêves”, (La Ciencia del Sueño; 2006) he vuelto a quedarme literalmente impresionado con la facilidad que Michel Gondry (((no dejéis de ver su página Web))) posee a la hora de inventar realidades de ensueño y fantasía, como ya lograra en una de mis películas favoritas “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (¡Olvídate de mí!; 2004). También he de citar “Be Kind Rewind” (Rebobine, por favor; 2008) aunque no llegó a engancharme del mismo modo que las anteriormente citadas cintas.
Mi intención es acercaros a su labor como creador de vídeos musicales, demostrando que el de Versalles domina un innovador estilo visual y una plena manipulación de la puesta en escena. Como su trabajo es amplio, he seleccionado cinco de sus tantísimos vídeos, cuyo listado adjunto al final, para aquel que pueda estar interesado.
Lista cronológica de vídeos musicales dirigidos por Gondry:
Soleil Du Soir - Dick Annegarn (2008)
Declare Independence - Björk (2007)
Dance Tonight - Paul McCartney (2007)
King of the Game - Cody Chesnutt (2006)
Heard'em Say - Kanye West (2005)
The Denial Twist - The White Stripes (2005)
Ribbon - Devendra Banhart (2004)
Mad World (versión de la banda sonora de Donnie Darko) - Gary Jules (2004)
I Wonder - The Willowz (2004)
Light & Day (versión cinematográfica) - The Polyphonic Spree (2004)
Walkie Talkie Man - Steriogram (2004)
Ride - The Vines (2004)
The Hardest Button To Button - The White Stripes (2003)
Come Into My World - Kylie Minogue (2002)
Star Guitar - TheChemical Brothers (2002)
Dead Leaves & The Dirty Ground - The White Stripes (2002)
Fell In Love With A Girl - The White Stripes (2002)
Knives Out - Radiohead (2001)
Let Forever Be - The Chemical Brothers (1999)
Gimme Shelter - The Rolling Stones (1998)
Music Sounds Better With You - Stardust (1998)
Another One Bites The Dust - Wyclef Jean (1998)
Bachelorette - Björk (1997)
Jóga - Björk (1997)
Deadweight - Beck (1997)
Everlong - Foo Fighters (1997)
Around The World - Daft Punk (1997)
A Change (Would Do You Good) - Sheryl Crow (1997)
Feel It - Neneh Cherry (1997?)
Sugar Water - Cibo Matto (1996)
Hyperballad - Björk (1996)
Like A Rolling Stone - The Rolling Stones (1995)
She Kissed Me - Terence Trent D'Arby (1995)
Isobel - Björk (1995)
Protection - Massive Attack (1995)
Army of Me - Björk (1995)
High Head Blues - Black Crowes (1995)
Lucas With the Lid Off - Lucas (1994)
Fire On Babylon - Sinéad O'Connor (1994)
Little Star - Stina Nordenstam (1994)
Human Behaviour - Björk (1993)
Snowbound - Donald Fagen (1993)
Believe - Lenny Kravitz (1993)
La Tour De Pise - Jean Francois Coen (1993)
Je Danse Le Mia - I AM (1993)
Big Scary Animal - Belinda Carlisle (1993)
Hou! Mamma Mia - Les Négresses Vertes (1993)
She Kissed Me - Terence Trent D'Arby (1993)
This is it, Your Soul - Hot House Flowers (1993)
Voila, Voila, Qu'ça R'Commence - Rachid Taha (1993)
Con motivo de una nueva publicación de la Revista Matador, hoy pretendo salirme levemente del hilo argumental que intento mantener día a día con mi labor en la blogosfera.
Matador es un nuevo concepto de revista. Aporta una mirada singular en nuestro país y nace, al borde del tercer milenio, con la intención de abrir el debate cultural. Un símbolo para este fin de siglo. Concebida y realizada en España, Matador es una revista plenamente internacional. Su realización está en manos de las mejores firmas. Fotógrafos, escritores y artistas son los autores de un producto único, en el que la calidad de los textos y la fuerza de las imágenes han sido una obsesión. Su cuidada elaboración y su campo de actuación la convierten en un objeto de culto. El proyecto de Matador es radical. Un sólo número al año. 3.000 ejemplares para socios y otros 4.000 para venta en librerías especializadas y museos y el compromiso de editar 28 volúmenes, durante 28 años, en el periodo que va desde 1995 hasta el 2022.
Su reciente número es el volumen M, y se centra por vez primera en una ciudad: Barcelona.
Hoy dedicaré una breve entrada a Virginia Díaz que, con uno de los mejores programas actuales en el panorama de la radio nacional, su 180 Grados hace las delicias de todo aquel que se aventure a descubrir sus estimulantes propuestas musicales.
También quiero agradecerle a Eneida Fever, en nombre de Mercury Wheels, por brindarme la oportunidad de asistir a un concierto que se me resistía desde hace bastante tiempo y que, con motivo de su inminente participación en la próxima edición del Sónar, ya me estaba organizando.
Muchísimas gracias a ambas y os dejo con la canción que me ha regalado este instante de felicidad. Que disfrutéis del fin de semana!!!
Los vinilos de papá eran casi todos franceses. Él la dejaba tocarlos, sacarlos de sus fundas, limpiarlos metódicamente para luego colocarlos en la tornamesa de la sala. Si bien ella escuchaba casi siempre voces femeninas, candorosamente juveniles, provocadoramente festivas, papá siempre terminaba diciendo: “Serge es Dios”. Mientras él reposaba en el sillón y parecía estar en el paraíso, Amy observaba con detenimiento las portadas de los singles y LP’s. Cada vez que lo hacía comprobaba nuevamente que los vestidos encendidos y las mallas multicolores que papá solía comprarle no eran ninguna casualidad. El cerquillo, que también llevaba mamá, la convertía en una chica yeyé.
Un buen día abandonó todo eso. Lo último que recuerda de su padre es observarlo frente a la televisión viendo una y otra vez L’homme qui aimait les femmes, acompañado de un amigo con quien solía divertirse luego charlando sobre antiguas ediciones del Festival de San Remo y de Eurovisión.
Amy nunca dejaría la música y su look de chica Gainsbourg. Intentaba grabar algunas canciones sueltas que había terminado en su habitación. Un día mientras compraba un vinilo de Drake, él la vio. Pasó lo mismo que con Isobel o casi: ella no permitió que la fotografiara. Él no paraba de insistir, hablaba del casting para una película. Amy estuvo a punto de acceder (solo porque él llevaba una polera de The Smiths), pero Stuart pensando que ella no lo entendía, y debido a su apariencia, comenzó a hablarle en francés. Eso bastó para que ella se perdiera corriendo por las calles.
Amy Turnnidge es un éxito en Japón. Ha triunfado en la tierra de los fetiches, de los coleccionistas compulsivos. Un single acústico ha sido el responsable. Los arreglos y las orquestaciones escuchadas en la infancia han hecho lo suyo. Ahora se hace llamar Theoretical Girl y su banda de apoyo es The Equations (pensó en ponerle The Constants, sin embargo revivir el pasado sin ningún tipo de control es algo que todavía no puede manejar). Componer su primer disco ha sido un proceso doloroso. Siente que ha revelado mucho de ella, pero que era necesario: el pop curará sus penas. Antes de reunirse con unos periodistas japoneses, Amy busca el bar del hotel. Pide un apple martini. El primer trago es dulce y ella espera que sea el signo de la noche. Todo cambia cuando el tipo sentado a su lado le susurra: “¿Aún recuerdas la canción que ganó la Euro de 1964?”
La inquietud es una cualidad que el ser humano debería mimar y potenciar hasta la extenuación, hasta alcanzar sus metas, realizar sus sueños, lograr descifrar los enigmas de su existencia; El resultado de viajes, casualidades y coincidencias suele ser el punto de partida de grandes historias, como la que presento a continuación.
Un día alejado de otro cualquiera, Josephine Ayling decidió facturar su funda de guitarra en aeropuertos de Reino Unido y su Australia natal, poniendo rumbo a Madrid e iniciando un cambio en su vida, como solista, desprendiéndose de un exceso de equipaje como componente de bandas del Indie local en Sydney (Terrapin o Sparkadia).
Desde tierras americanas, Alisha Buttke decide dar el mismo paso tras haber participado en diversos proyectos de música clásica, jazz y rock, tocando la viola.
Madrid como testigo de excepción presenciará como la afinidad musical y personal, propiciará el nacimiento de un dúo llamado Boat Beam que inicia un ilusionante viaje melódico a través del sonido underground en pequeños locales de la capital española, ofreciendo billetes de ida a lugares lejanos, y exquisitas delicias instrumentales que protegen en la calidez del hogar. Momento en el cual aparece Aurora, que hasta la fecha había trabajado como chelista con Russian Red, Christina Rosenvinge o Superjelly.
Boat Beam usando las cuerdas de su guitarra, su viola, su chelo y su piano, tejen música que suena a Debussy y Satie pero también a The Cinematic Orchestra y The Divine Comedy. Con sus voces, imposible es no pensar en Fiona Apple o Tori Amos pero también como las que cantarían escritores como Sylvia Plath o Patrick Süskind si se hubiesen dedicado a ello.
Como si se tratase de un partido amistoso entre Laura Marling, Alela Diane y Jenny Lewis contra promesas como Russian Red, Alondra Bentley y Anni B Sweet.
Puzzle Shapes (Origami Records, 2009) es como un día soleado en un festival folk. Resulta realmente fácil dejarse llevar por las melodías de sus diez canciones y el canto de sirenas de Josephine, Alisha y Aurora, más aun cuando hacen que afloren los sentimientos, cuando puedes disfrutar de momentos tan íntimos con “The Rain Pauly” con arpegios y juegos vocales deliciosos; o bucear en el oceánico “Fallin over” con un piano embriagador, que genera un brainstorming de pensamientos y emociones, a veces controvertidas; “Lion Hunt” no es el cuadro de Rubbens, sino el tema más representativo de un Indie actualmente generalizado, con arreglos de corte clásico, que hace de Boat Beam algo más que un simple producto de indie pop, con una buena dosis de sensibilidad que siempre es un valor añadido a la hora de escuchar a nuevos grupos. Y que decir de "One Becomes Two", una auténtica maravilla.
Sus canciones ofrecen un pop clásico, actual, atemporal, que enamoran para siempre a la primera estrofa, que nos regalan sus experiencias, sus pasiones, sus anhelos, sus aventuras… Su vida.
Sumergido en una climatología propia del invierno que acontece, en donde gélidas temperaturas procedentes de una ola de frío polar, acompañadas de copiosas nevadas por casi toda la península y, saliendo de un constante y continuo aguacero, demostrando que la mayoría de las ciudades actuales no están preparadas para tales acontecimientos que algunos achacan al archicuestionado cambio climático, descubrí a Manel una de aquellas tardes frías y lluviosas, como contraposición a los universos mediterráneos que su música evoca. Lo hice con temor a la decepción y al aburrimiento después de la polvareda de alabanzas que levantó en la prensa especializada, Els Millors Professors Europeus (Discmedi, 2009), álbum debut de esta banda barcelonesa.
Guillén Gisbert, Martí Maymó, Roger Padilla y Arnau Vallvé forman este combo localizado a medio camino entre el folk y el pop (Beirut, Jaume Sisa, UC, Herman Dune, Pau Riba, Bob Dylan), oscilando como un pino en el viento y acercando su copa a uno u otro estilo según sea más oportuno.
A pesar de ser su primera experiencia en la larga duración el resultado no puede ser más compacto; nada sobra y nada se echa de menos. Els Millors Professors Europeus es un collage de doce piezas exhaladoras de luminosidad y nostalgia a partes iguales, cosidas al lienzo por unas letras trabajadísimas y teñidas de mil colores por una instrumentación que deja las puertas abiertas a ukeleles, banjos, clarinetes, trompetas, trombones, violines y prácticamente a todo aquel que quiera sumarse a la fiesta. Un trabajo que regala optimismo, ironía, surrealismo, vitalidad y una sencillez que contrasta con un sonido redondo y limpio, que no vacío. Un perfecto recorrido por la cotidianidad catalana.
No es fácil señalar las gemas más brillantes de este escaparate de joyería del Passeig de Gracia; aun así no puedo dejar de nombrar el optimismo contagioso que surge en mí con En la que el Bernat se’t Troba, la preciosa (y vergonzosa) declaración de amor que es Ceramiques Guzmán, los coros de la vitalista Nit freda per ser abril o los tonos de atardecer mediterráneo recogidos en la costumbrista Al Mar. Así, la banda construye canciones que hablan de mujeres extranjeras con ancianos de bigotes largos y blancos, de profesores de nudos de corbata, o de tiendas de cerámica donde quizás desearás cambiar de vida para siempre, sin ponerse límites en la paleta de instrumentos.
Manel posiblemente sea el grupo catalán del 2009 y su trabajo el perfecto argumento para derruir de una vez por todas los muros de prejuicios que se han ido levantando alrededor del pop cantado en catalán.
El australiano Aaron Thomas bautizó su carrera musical en Madrid, donde se trasladó hace cinco años tras los pasos de su mujer actual, de su misma nacionalidad y apasionada del flamenco. Este treintañero alto y desgarbado cogió una guitarra a los 19 años para emular a su admiradísimo Jeff Buckley, en quien se inspiraron sus primeras composiciones, ‘horribles’, según cuenta, ya que intentaba “imitar los gritos agudos de Jeff y el resultado era lamentable”.
Con el tiempo, su técnica y su forma de crear maduraron y sus canciones se fueron haciendo más personales, con un sello de identidad cada vez más patente. Este proceso culminó en su primer disco, “Follow the elephants”, grabado y mezclado en 2008 en Madrid, que si bien no tuvo una gran repercusión, le valió de pasaporte para entrar en el circuito de conciertos de la capital.
El Folk cálido, amable y fácilmente digerible de Aaron Thomas funcionó bien en el boca-oreja y no tardó en ser un habitual de las salas madrileñas. Este mes (((enero de 2010))) verá la luz su segunda apuesta, “Made of Wood”, un disco más ambicioso que, a pesar de aglutinar influencias numerosas y dispares (Elvis Costello, David Bowie, Jacques Briel), destila un sonido más personal y reconocible que el anterior. Con melodías más marcadas, arreglos más trabajados y una producción de lujo (((Valgeir Sigurdsson, técnico de Björk y Bonnie Prince Billy, estuvo a los mandos del multipistas))), no abandona en cambio la candidez, rayana en la ingenuidad, de su primer trabajo.
Las letras de “Made of Wood” tratan lo cotidiano, y a menudo frecuentan la introspección. “Lo que mejor conozco del mundo es a mí mismo, por eso las canciones hablan de cosas que me han pasado, de sentimientos. Uso la música como terapia para sacar lo que llevo dentro. Tengo mis ideas políticas y mis opiniones, por supuesto, pero la música no es mi medio para expresarlas”. Consciente de que el fenómeno Internet se está cargando la industria del disco, el optimista Aaron destaca lo positivo. “Todo esto les ha bajado los humos a las discográficas, los músicos tenemos más libertad de actuación que antes. Además, ahora sólo tendrán salida las bandas que realmente lo hagan bien en directo. Todos esos músicos sin talento que se camuflaban en la producción de un estudio pero luego no cumplían sobre un escenario se quedarán sin trabajo”, concluye.
Los australianos The Temper Trap (no confundir con los mucho más jugosos Tender Trap de Amelia Fletcher) son de esos grupos que parten de una fórmula perfectamente acotada, una estrategia rígida, semifanática.
Formados en 2005 en Melbourne, practican un Indie Rock e incluso Post Punk Revival que a modo de virus musical se está empezando a extender desde las antípodas al resto del mundo. En Australia todos están contagiados, en Estados Unidos están en alerta roja y se dice que en Inglaterra la mitad de la población está en cuarentena. Los principales síntomas son los constantes movimientos de cabeza hacia alante y atrás, silbidos, movimiento frenético del pie derecho y un estado de inconsciencia psicodélica.
La voz de Dougy Mandagi (de origen tailandés) con ese falsete que recuerda a Chris Martin de Coldplay y esas guitarras a lo Muse o a The Edge de U2, muestran claramente unas influencias que ellos mismos reconocen. Además de las ya mencionadas, Massive Attack, Prince o Radiohead son otras de las referencias del cuarteto (Jonathon Aherne, Lorenzo Sillitto y Toby Dundas lo completan). Pudiéndose añadir Arcade Fire o los mismísimos Tv on the Radio, incluso por momentos la voz recuerda a la de Roland Gift de Fine Young Cannibals.
Así son The Temper Trap, una de las bandas revelación de este 2009. El mundo indie está de enhorabuena con bandas pioneras como esta y más aún si hablamos de un disco debut, Conditions (Liberation Music) producido por Jim Abbiss (Arctic Monkeys, Kasabian, Bombay Bicycle Club y Editors entre otros) que te lo da todo a través de cambios de ritmo y giros inesperados, estados de tranquilidad alterados de repente por guitarras contundentes y una voz que parece deslizar por el mástil del bajo. He oído que se empiezan a dar los primeros casos de este extraño fenómeno en nuestro país, no se sabe si de forma controlada o se desbocará hacia todos los oídos.
Mientras todo aquel que de algún modo se involucra en el universo sonoro, se vuelve loco configurando sus personalizadas listas con lo mejor del reciente año extinto, para mí ya es demasiado tarde y por falta de tiempo tendré que esperarme 365 más. Hay gente que se atreve incluso con reflejar lo mejor de la primera década del siglo XXI y revisando algún que otro listado, no puedo dejar escapar la oportunidad de hablar de uno de los mejores discos del 2007, la obra de un fantasma, o de algo parecido. Se trata del álbum Untrue, elegido por revistas especializadas y periódicos de medio mundo como el gran logro musical del citado año. Tanto consenso se lo debemos a un artista que se autodenomina Burial (entierro). Un apodo que dice, alude a su sombra.
Burial no revela su verdadero nombre. No actúa en directo. No aparece en fotografías. Y apenas ha confesado a unos pocos conocidos su verdadera ocupación: "Sólo cinco personas aparte de mi familia conocen lo que hago", declaró a The Wire, en una de sus muy contadas entrevistas.
El artista es la estrella más oscura de la música electrónica y también uno de los nombres clave en el dubstep, género también elusivo, mezcla de dub,drum and bass y techno minimalista, que nació en los barrios del sur de Londres a principios de esta década. Por sus ritmos atronadores, melodías sombrías y visión apocalíptica, el estilo parecía condenado a permanecer en el subsuelo, alimentando radios piratas y madrugadas londinenses. Pero el boca-oreja hizo que el primer disco homónimo de Burial, que pintaba un Londres futuro ahogado bajo el agua, se hiciera eco más allá de la prensa especializada. Con Untrue no ha hecho sino llegar la confirmación. Su segundo trabajo es tan melancólico y extrañado como el primero, pero añade voces que parecen de otro mundo, presencias de ángeles desgraciados, ruidos de llaves de coche y disparos. Narra historias de fantasmas -el tema le fascina aparentemente-, viajes en autobuses nocturnos, ecos de fiestas pasadas, noches solitarias en un McDonald's. Un sonido que, con todo, el productor Kode 9 no encasillaría en el dubstep. Amigo del artista y fundador de la discográfica Hyperdub, que publica el trabajo de Burial, disiente por correo electrónico: "Su música es totalmente diferente. [...] Es un subgénero en sí misma".
Sea como fuere, las críticas entusiastas no hacen sino acrecentar el interés sobre su figura. Existen todo tipo de rumores y teorías. Hay quien dice que Burial es una mujer; que se trata de alguien mayor intentando hacerse pasar por veinteañero; que es un productor que quiere diversificar su trabajo... Burial declaró al diario británico The Guardian que simplemente "quiere recuperar el arte de guardar un secreto, para que mi público se sienta más cerca de la música". "No buscaba provocar expectación, pero, al final, lo ha hecho", dice un productor de dubstep que le conoce y que prefiere no revelar su nombre. "La gente cree que su anonimato es un artero plan de marketing. Lo que me hace reír. El éxito nos pilló a los dos por sorpresa", añade Kode 9. Las malas lenguas le señalan como el álter ego de Burial. "Está claro que en algún momento su identidad saldrá a la luz. Pero no será un problema. Se trata sólo de un tipo que quiere seguir con su vida, haciendo música y cosas que no tienen que ver con la música".
THE RED CRAYON ARISTOCRAT CLUB: Fear
RAMONES: Surfin´ Bird
L´AVALANCHE: Derniere
ARIZONA BABY: If I Could
L.A.: Crystal Clear
JÓNSI: Go do
BEACH HOUSE: Norway
MASSIVE ATTACK: Saturday come slow
DATAROCK: Give it up
ARIZONA BABY: The Truth
JÓNSI: Boy Lilikoi
DAVID BYRNE AND THE BALANESCU QUARTET: The Model.
MORRISSEY: You Have Killed Me.
HELLO SAFERIDE: Anna.
THE LOST FINGERS:
Pump up the jam.
