Treinta y Una Canciones

Mi última entrada.

2010-10-20T19:34:00.000-07:00

Asiduo seguidor y esporádico visitante, tengo una estupenda noticia que comunicar, la familia de treintayunacanciones ha crecido, y este humilde escritor sin rostro se siente orgulloso de contar con el inestimable ingenio y la desbordante creatividad de estimados y allegados compañeros de andanzas y peripecias, con los que poder desplegar multitud de fantaseadas fantasías.

A las habituales secciones de noticias “5diales”, crónicas musicales “97decibelios” y reseñas discográficas “33rpm” y “7pulgadas”, incluiremos como novedades una serie de secciones, que podrían ser de su agrado, amigo lector. Contará con la posibilidad de descubrir canciones, tal vez extrañas hasta el momento para sus oídos, el uno de cada mes, “31canciones”; o quizás deleitarse con inusitadas revisiones de temas que posiblemente vayan conformando la banda sonora de nuestra existencia, “2versiones”; quien sabe, si podremos presumir de haber sido los primeros en llamar a la puerta de ese local de ensayo, de “17metroscuadrados”, una vez hayan alcanzado la fama; o aquellos que ya gozan del estrellato, anhelen ser inmortalizados en los acústicos de “23fotogramas”; siempre contaremos con “13preguntas” en el tintero, con las que poder indagar en los introspectivos misterios de nuestros predilectos artistas.

No obstante, todo lo citado carecería de sentido sin su aportación, ya sea asumiendo una actitud de expectante interés, planteando como reto, nuestras capacidades con las que propiciar sorpresa con nuestros contenidos, o bien osando adquirir un rol activo, que muestren a la luz, sus anhelos más insospechados con los que poder contribuir a que la familia de “treintayunacanciones” siga un ascendente devenir sin esbozado límite, cuan mágica habichuela regada con imaginación, entrega y sobre todo ilusión a raudales.

Bienvenida y bienvenido a nuestro sonoro universo ajeno a prejuicios y desconocedor de fronteras. Bienvenidos a:

www.treintayunacanciones.com

Las mejores versiones de la historia.

2010-09-24T23:34:00.000-07:00

Según los lectores de la revista ‘New Musical Express’ (NME), éstas serían las 10 mejores versiones de la historia.

10. The White Stripes: I just don’t know what to do with myself
(Burt Bacharach & Hal David)

09. Marvin Gaye: I heard it through the grapevine
(Smokey Robinson & The Miracles)

08. Jimi Hendrix: all along the watchtower (Bob Dylan)

07. Jeff Buckley: hallelujah (Leonard Cohen)

06. The Clash: I fought the law (Sonny Curtis & The Crickets)

05. Nirvana: where did you sleep last night (Leadbelly)

04. Jimi Hendrix: hey joe (Billie Roberts)

03. Johnny Cash: hurt (Nine Inch nails)

02. The Beatles: twist and shout (Top Notes)

01. Muse: feeling good (Anthony Newley and Leslie Bricusse)

Las peores versiones de la historia.

2010-09-23T21:02:00.000-07:00

Según los lectores de la revista ‘New Musical Express’ (NME), éstas serían las 10 peores versiones de la historia.

10. Mark Ronson: no one knows (Queens of the Stone Age)

09. Limp Bizkit: faith (George Michael)

08. Madonna: american pie (Don McLean)

07. Will Young: light my fire (The Doors)

06. Robbie Williams: song 2 (Blur)

05. M People: itchycoo park (Small Faces)

04. Take That: smell like teen spirit (Nirvana)

03. Celine Dion: you shook me all night long (AC/DC)

02. Ronan Keating: fairytale of new york (The Pogues)

01. Britney Spears: I love rock ’n’ roll (Joan Jett & The Blackhearts)

'Los 13 Relojes'. James Thurber

2010-09-14T16:31:00.000-07:00

Los 13 relojes, de James Thurber es, como bien dice su contraportada, una fábula para adultos y un cuento fantástico para niños. Publicado por primera vez en 1950, tiene todo ese encanto de los cuentos de hadas más clásicos combinado con un macabro y agudo sentido del humor que hace que cada página sea un auténtico placer. ¡Y además está ilustrado!

‘Los 13 relojes’ nos trae la historia del malvadísimo Duque del Castillo del Ataúd, donde vive dedicado única y exclusivamente a hacer el mal de todas las maneras posibles. Allí tiene recluida a su sobrina, la hermosa princesa Saralinda, y el mayor pasatiempo del duque es plantear pruebas imposibles a todos aquellos que osan pedir la mano de la princesa. El Castillo del Ataúd cuenta además con los famosos trece relojes, parados todos ellos a las cinco menos diez, porque hace mucho, mucho tiempo, el duque decidió asesinar al tiempo en su propio castillo, con toda impunidad y alevosía. Sin embargo, un buen día aparecerá un príncipe disfrazado de trovador, y aquí es donde comienzan todas las aventuras…

El príncipe Zorn de Zorna se encontrará con una doble prueba a priori imposible de superar para conseguir la mano de la guapa princesita: por un lado, deberá conseguir mil joyas en un plazo de noventa y nueve horas, y por otro, deberá poner en marcha los trece relojes del castillo, congelados a las cinco menos diez. Sin embargo, el príncipe contará con la ingeniosa ayuda de un Gólux, que lleva un sombrero indescriptible y una barba oscura y descriptible. Juntos irán a buscar a Hagga, una mujer encantada que llora gemas preciosas e intentarán por todos los medios llegar a tiempo para cumplir la misión, pues si no el príncipe será pasto del Todal, un terrible monstruo.

Con una prosa ingeniosa y divertidísima, Thurber nos transporta a un mundo maravilloso, lleno de criaturas mágicas y palabras aún más mágicas. Las aventuras de Zorn de Zorna, extraordinarias de por sí, ganan enteros por obra y gracia del ingenio de James Thurber, que lo convierte en un estupendo entretenimiento ideal para una tarde de otoño en un sofá cálido, o para leerlo en voz alta a niños extasiados, pendientes de cada una de las palabras extrañas y maravillosas. De hecho Neil Gaiman nos regala este precioso párrafo en la introducción del libro:

“Me quedé bastante convencido de que era el mejor libro que había leído nunca. Era divertido de una forma extraña. Estaba lleno de palabras. Y aunque es verdad que todos los libros están llenos de palabras, este era distinto: estaba lleno de palabras mágicas, maravillosas y sabrosas. Se deslizaba hacia la poesía y luego fuera de ella de una forma que te apetecía leerlo en voz alta para ver cómo sonaba. Yo se lo leía a mi hermana pequeña. Y cuando crecí, se lo leí a mis hijos.”

James Thurber nació en Ohio en 1894. Cuando sólo era un niño, jugando a Guillermo Tell perdió casi la totalidad de la visión de un ojo. Sin embargo, esto no le impidió trabajar para el Departamento de Estado del gobierno e incluso en la embajada en París. En 1925 comenzaría su carrera como articulista para The New Yorker, aunque ya había trabajado anteriormente para otros periódicos. Con su particular estilo como escritor e ilustrador, se movía en los mejores círculos de escritores estadounidenses, junto con Truman Capote o Dorothy Parker. Cáustico e ingenioso, llegó a rechazar el título de Doctor honoris causa en la Universidad de Ohio como protesta por la falta de libertad académica durante la caza de brujas del senador McCarthy. Murió en 1961, casi ciego.

Como podréis intuir, si habéis leído hasta aquí, ‘Los 13 relojes’ me ha encantado. Creo que es el libro ideal para olvidarse de todo, para leerlo como descanso, para sumergirse en un mundo maravilloso aunque sea por un rato. La única pega que podría sacarle es su brevedad, apenas ciento veinte páginas, y, tal vez, su precio. Fuera de esto, me parece un libro maravilloso, para conservarlo, leerlo, releerlo, regalarlo y todas esas cosas que hacen de los libros nuestros objetos más preciados. Yo, por mi parte, ya lo tengo en mi librería y seguro que no será la única vez que lo lea.

Sarah Manzano.

The Baltic Sea: ‘El Gran Blanco’ (Cuac!, 2010)

2010-09-09T01:04:00.000-07:00

Casi tres años hace ya, desde aquel prometedor "Forthcoming Science Theory" (Pupilo Records 2007), años en los que The Baltic Sea no han parado de trabajar, componiendo y perfilando nuevas canciones y dando contundencia a su directo. Pero han sido unos años convulsos, en los que los sevillanos han sufrido cambios en su formación, cambiando de batería e incorporando a un nuevo guitarra, han decidido cantar en castellano y cambiado de sello, fichando por Cuac!.

Si con su primer disco, The Baltic Sea pusieron la producción y el sonido en manos de Paco Loco, en este disco han dado un paso mas allá, asumiendo ellos mismos las tareas de producción, grabando en los Estudios La Mina dirigidos por Raúl Pérez, bajista del grupo y que ha sido en los últimos tiempos, responsable de la grabación de grupos como Blacanova, Tannhäuser y Montevideo, entre otros. Seis meses de duro trabajo en el estudio, han dado como resultado "El Gran Blanco", disco de título controvertido, que refleja la fascinación de Esteban, compositor de las letras del grupo, por el tiburón blanco. Y no es ésta la única referencia al mar que hay en el disco, ya que Esteban es un tipo de verbo ágil y eso se nota en unas letras melancólicas que pueden tener diversas interpretaciones y perspectivas.

En el disco predomina un sonido denso aunque melódico y consta de dos partes claramente diferenciadas. Una primera mas rítmica y positiva, con melodías mas pegadizas y aptas para todo tipo de oídos, conformada por "El Gran Blanco", "Un día nuevo", "En lo que te convertirás" y "La verdad", auténtico hit del disco y con una letra de autoafirmación con la que cualquiera puede sentirse identificado y una segunda parte mas introspectiva con "El desastre", "Tú nunca duermes", "Dos años más" y "El río", además de "Pero un día estarás despierta", instrumental continuación de "Tú nunca duermes".

Las canciones de “El Gran Blanco” están llenas de matices que definen momentos de intensidad y en las que la voz de Esteban, remontándonos por su cadencia y color a voces de los noventa y a clásicos de los setenta, cargada de tristeza nos transmite intensas emociones, como si de un instrumento más se tratara.

Buenas noticias para el indie nacional, los chicos de báltico ya están de vuelta y la espera ha merecido la pena.

Jaime Marco.

Rauelsson: ‘La siembra, la espera y la cosecha’ (Hush, 2010)

2010-09-08T15:23:00.000-07:00

( Spotify )

Es común que los artistas emigrados no entiendan demasiado bien la cultura de su país de adopción. Le ha sucedido a Josh Rouse, cuyo disco inspirado por su nueva vida en Valencia es más "tropicalista" que mediterráneo, y también a Stuart Staples de Tindersticks. Sin embargo no ha sido así en el caso de Raúl Pastor, Rauelsson cuando se sube a un escenario y trabaja en el estudio. Pastor vive a medio camino entre Castellón y la ciudad norteamericana de Portland, donde ha encontrado su verdadera personalidad como artista. Rodeado de músicos locales y primeros espadas del indie nacional (Santi Campos o Julio de la Rosa), ha creado un disco de folk que emana humedad, lleno de mística y que hace pensar en bosques y naturaleza.

Dicho así, alguno puede pensar que no está tan lejos de una parte del cancionero de Remigi Palmero o Julio Bustamante. Pero lo suyo es realmente el sonido de los Apalaches que han popularizado Mariee Sioux o la primera Joanna Newsom; también el recogimiento y misterio de las bandas de Language Of The Stone, el sello de Greg Weeks. La siembra, la espera y la cosecha es un debut sobresaliente con una identidad llamativa. Porque a pesar de poseer una estética tan americana, está cantado en castellano. La primera piedra de una carrera que promete, y que tendrá como siguiente paso un trabajo junto a Peter Broderick, con el que ha estado grabando en los últimos meses. Un pulso creativo que promete canciones con unas altas dosis de belleza.

Los legítimos ganadores del 'Mercury Prize'.

2010-09-07T18:43:00.000-07:00

( Spotify )

The xx se han hecho finalmente con el Mercury Prize, uno de los premios más prestigiosos del Reino Unido, gracias a su homónimo álbum de debut. Habían sido favoritos desde el principio junto a Dizzee Rascal, pero en el último momento Paul Weller les adelantaba en las casas de apuestas con ‘Wake Up The Nation’. Finalmente, The xx se han hecho con el premio.

The xx se han mostrado emocionados al recoger el galardón: “Hemos tenido el año más increíble. Cada día nos hemos despertado con algo increíble que nunca hubiéramos esperado”. The Guardian, que ha hecho un “minuto a minuto” de la ceremonia, ha indicado que no se han escuchado gritos de perplejidad cuando se ha pronunciado el nombre de The xx como sucedió con Speech Debelle en 2009 o con Elbow en 2008, quizá porque más o menos todo el mundo esperaba que este año no hubiera sorpresas tras el fracaso comercial de Debelle.

Además de Weller y Rascal, también estaban nominados al Mercury Prize Foals, Mumford & Sons, Corinne Bailey Rae, Biffy Clyro, Villagers, Wild Beasts, Kit Downes Trio, Laura Marling y I Am Kloot.

Fitness Forever: ‘Personal Train’ (Elefant, 2009)

2010-08-13T01:51:00.000-07:00

( Spotify )

Desde Italia, llega Fitness Forever, una propuesta de luminosidad retro, con aires disco y pop directos desde los años 70 o incluso primeros 80. La banda, liderada por el napolitano Carlos Valderrama, es una de las apuestas de Elefant para 2009 y está teniendo bastante buena aceptación. Después de fichar por EMI, acaban por no llegar a un acuerdo, y es entonces cuando Elefant entra en escena y ‘Personal Train’ se convierte en el atractivo proyecto que hoy tenemos en nuestras manos.

El cuarteto se forma en 2006. A Carlos se unen “Big Tony” Fresa, Scialdone y la parte femenina indispensable que aporta Paster. Como dicen en su biografía promocional, piensan que “una banda de pop moderna necesita absolutamente una cantante femenina guapa que pueda posteriormente dejar el grupo por una carrera en solitario como ya han hecho Gwen Stefani o Nina Persson”. Y les ha quedado fenomenal.

Con canciones como ‘Vacanze a Settembre’, una de las más luminosas del LP, te plantas de pronto en una playa en septiembre, cuando el verano sigue presente pero las puestas de sol ya huelen a otoño y a cambio. ‘L’anarchica pugliese’, ‘Monica’ y ‘Probabilmente’ son temas de puro pop que podrían recordar a Richard Hawley mezclándose con canciones de, por ejemplo, Cecilia Ann con una Rita Pavone o Mina al frente, haciéndose cargo de la situación.

‘Bacharach’ o ‘D’estate’ son otros dos de los regalos retro dentro de ‘Personal Train’, bailables y positivas, con arreglos sorprendentes. Entre las instrumentales, que hay varias, encontramos más de una maravilla, como la delicia que supone ‘Albertone’ y esos silbidos que dan más paz que otra cosa. ‘Je Je Jeox’ pasa por los ritmos de Brasil mientras que ‘Outro’ es una delicia de cuerdas y metal que da paso a la última pista del álbum con una elegancia digna de las bandas sonoras de Mancini. Todo un descubrimiento. Me declaro completamente fan.

Angèle Leciel.

The School: ‘Loveless Unbeliever’ (Elefant, 2010)

2010-08-12T01:57:00.000-07:00

Quienes opinen que el “revival” de los “girl-groups” de los 60 es el mejor que podía experimentar la música actual han encontrado en The School la nueva banda a la que venerar. Estrictamente no son una banda de chicas, pero a diferencia de lo que sucedía con muchas de las formaciones femeninas promovidas por Phil Spector o recientemente las Pipettes reclutadas por Monster Bobby, aquí sí es una chica quien más manda. Todas las canciones excepto dos en las que ha participado el guitarrista Simon Stone, también a los coros, están escritas en solitario por la líder Liz Hunt.

No es el único parecido con Camera Obscura, donde también Tracyanne suele escribir en solitario. También en el tipo de fotografías, letras y referencias a los 60 y a los 50, The School son el sustituto perfecto de la banda en Elefant, que apunta The Shirelles, The Supremes o The Marvelettes como influencias principales. Otras veces los parecidos extraídos pueden ser más peregrinos. ‘Can’t Understand’ parece un tema de la última etapa de Belle & Sebastian, y como se te ocurra que ‘I Want You Back’ se parece a ‘En algún lugar’ de Duncan Dhu y ‘All I Wanna Do’ a ‘Everybody Knows (Except You)’ de Divine Comedy, no te lo podrás quitar de la cabeza.

Sin embargo, homenajes y parecidos casuales aparte (un título como ‘Hoping and Praying’ no puede sino hacer pensar en ‘Wishin’ And Hopin’ de Dusty Springfield), lo importante de verdad es que ‘Loveless Unbeliever’ recopila todas las canciones importantes que el grupo ha ido editando en singles durante los últimos años, junto a otras a la altura. Está ‘Let It Slip’, que debería ser un himno atemporal, y no falta ‘I Don’t Believe In Love’ de la banda sonora de ‘Yo también’, junto a su nuevo single ‘Is He Really Coming Home?‘. Las letras, que buscan constantemente un hombro en el que apoyarse cuando tu propio cuerpo no te permite sostenerte en pie (‘Shoulder’), remiten a noviazgos y a rupturas típicas de la adolescencia. “Me encanta todo, todo sobre ti. Haría cualquier cosa por abrazarte”, “dijo que siempre sería honesto y que nunca me dejaría”, “si alguna vez me dejas, ¿te irás inmediatamente con ella o aguantarás tú solo?”, etcétera. Historias sobre celos deliciosamente orquestadas en la producción de Ian Catt (Saint Etienne, Niza), que no encuentran un punto bajo en las trece pistas de ‘Loveless Unbeliever’. ¿Alguna vez te has cansado de ver ‘Grease’?

Sebas.

Dorian: ‘La Ciudad Subterránea’ (PIAS, 2009)

2010-08-11T07:10:00.000-07:00

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Previsibles, moñas, simplones hasta la zafiedad. O bien adictivos, tiernos y de un naïf que conecta magistralmente con cualquier corazón mínimamente permeable. Sólo por la cantidad de discrepancias que generan, merece la pena que existan grupos como Dorian al igual que merece la pena que existan futbolistas como Guti. Despiertan aquéllos reacciones tan contrapuestas cuando suenan en la discoteca como éste cuando calienta en la banda. No puede ser, por tanto, más acertado el lema “id como una plaga contra el aburrimiento del mundo”, de Ezra Pound, que aparece en la carátula del tercer disco de los barceloneses, “La Ciudad Subterránea”. Con más chumba-chumba, sintetizadores más robustos, guitarras mucho más eclipsadas y una producción más pulcra, Dorian reaparecen para afrontar la difícil misión de no ser durante el resto de su existencia el grupo que compuso el brillante himno “Cualquier Otra Parte”.

Para que no les suceda, optan por el continuismo en sus dulces voces, dulces melodías, a veces dulces letras, empalagoso todo junto para muchos. Se afianzan, en cambio, en el sonido ochentero y en el electropop para dejar de lado todo atisbo de rock (entendámonos, que las guitarras quedan en tercerísimo tercer plano si es que aparecen). Eso sí, el bajo no deja en ningún momento de decir “aquí estoy yo”. En conjunto, el trabajo es más serio, directo y claro que cualquiera de sus anteriores largos. La portada ya lo anuncia, pues su diseño está bastante más currado que el del anterior “El Futuro No Es De Nadie”, cuya cubierta podría ser considerada una de las más feas de la historia de la música. Y, sin embargo, era mucho más entrañable y genuina, como eran más entrañables y genuinos temas de Dorian como “Te Echamos De Menos” (incluido en el primer disco, “10.000 Metropolis”), el citado “Cualquier Otra Parte” o “Al Final De La Escapada”, ambos en “El Futuro No Es De Nadie”. El tiempo dará o quitará razones convirtiendo o no en hits de la escena indie alguna de las canciones de “La Ciudad Subterránea”.

Arranca el disco con sonido de videojuego y un “Simulacro De Emergencia” con mucho empaque, que funciona como contundente gancho inicial. A medio camino entre la ternura y el tópico, “Verte Amanecer” es una bonita canción de amor de las que parecen cursis en función del estado de ánimo de quién la escucha. Pero, en cualquier caso, el disco va fabricando a medida que avanza una coherencia –algunos dirán monotonía– y un discurso electropop edulcorado –esta vez sin concesiones en ambas– que sólo puede despertar odios o admiraciones. Con un imaginario de “pastillas rosas”, amaneceres de resaca con desamor, luces de neón multicolor y en general ese aroma a desfase existencial que se huele cualquier domingo a las ocho de la mañana al salir de un garito subterráneo del Gótico de Barcelona, Dorian consiguen erigirse en un buen reflejo de inconfundibles aspectos de la personalidad o la pose de la actual juventud indie de este país.

“La Ciudad Subterránea” roza su punto de apogeo con “La Mañana Herida”, principal candidata a convertirse en himno pese a algún tramo de la canción en que la letra flojea de forma evidente. Sin embargo, es en “Veleros”, sangrante y más madura y con la voz de Marc brillando a la luz de los teclados, donde la lágrima del oyente predispuesto al regocijo quedará más cerca de caer. Pero, si lo hace, no brotará el llanto en ningún tema con tanta determinación como en muchas de las canciones de su anterior “El Futuro No Es De Nadie”, tal vez precisamente porque el nuevo es un disco mucho más seguro de sí mismo. Dorian, en cualquier caso, son lo que son, no engañan a nadie y tienen cada vez más claro su camino y su mensaje.

Germán Aranda.

Sad Day For Puppets: ‘Unknown Colors’ (HaHa Fonogram, 2008)

2010-08-10T15:11:00.000-07:00

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Su EP ‘Just Like a Ghost’, editado a principios de año, es una preciosidad que auguraba un disco aún mejor. ‘Unkown Colors’, dentro de su corrección, parece que tampoco aporta nada excepcional a la escena sueca actual. Aunque su pop de aires naïf con distorsiones siempre tiene algún aliciente para los que gustan del género. Sad Day For Puppets están en la línea de otras bandas suecas como The Concretes, con un apunte guitarrero a lo Cardigans en una mezcla que resulta bastante atractiva.

Si empiezas a degustar los temas poco a poco te encuentras con un puñado de buenas y bonitas canciones pop. La voz de Anna Eklund se mantiene en su sitio y aporta frescura a las canciones. Entre Jeanette y Tracyanne Campbell, su voz también me recuerda a veces a Russian Red. Y mientras escucho a Sad Day For Puppets, me gusta imaginarme de vez en cuando que Lourdes se ha montado un grupo poperillo y nos deleita con cosas así. Ja.

Todos los temas del álbum pasan el umbral de una calidad más que decente, pero echo de menos la súper canción que se desmarque del resto. En realidad todas están bien. Unas más alegres que otras, otras más oscuras… ‘Mother’s Tears’, con el sonido más sucio de todo el disco, puede parecerse a The Raveonettes con esos punteos distorsionados y simplemente mola tal cómo es. ‘Cherry Blossom’ y ‘Last Night’, bastante bailables y enérgicas, le dan vidilla al conjunto. ‘Lay Your Burden On Me’ es una nana preciosa que junto a ‘My Twin Star’, ‘When The Morning Comes’ o ‘Withering Petals And Dust’ reafirma que sigue habiendo baladas que, lejos de la ñoñería, ponen los pelos de punta y encogen las entrañas.

A falta del veredicto del directo, Sad Day For Puppets demuestran con este disco que tienen talento para hacerlo mucho mejor sin caer en la rutina cómoda de hacer todo eso que ya conocemos.

Angèle Leciel.

We Have Band: ‘WHB’ (Naïve, 2010)

2010-08-09T15:00:00.000-07:00

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Allá por 2007, We Have Band presentaron dos canciones a través de Internet. Dos canciones más o menos bailables que tuvieron un cierto éxito en la escena independiente. Sin embargo, después desaparecieron casi hasta ahora, que publican ‘WHB’, su álbum de debut. En él se incluyen ‘Oh!’ y ‘Divisive’, los dos temas mencionados anteriormente. El primero tiene un comienzo un poco fangorio, y perfectamente podría ser un descarte del ‘Odyssey’ de Fischerspooner. El segundo tiene un toque más luminoso, pero ambas se alejan bastante al tono general del álbum, que resulta un poco más oscuro.

La prensa, sin embargo, se ha encargado de encumbrarlos haciendo extrañas comparaciones. Entre Hot Chip y Animal Collective, aunque no se parecen especialmente a ninguno de los dos. Sí hay que comentar, sin embargo, que el productor de ‘WHB’ es Gareth Jones (Grizzly Bear, These New Puritans), lo que añade un punto a favor del álbum.

Pese a su inclinación hacia la electrónica bailable, We Have Band no consiguen destacar especialmente en sus canciones nuevas. Quizás es que se habían puesto el listón demasiado alto revelando sus dos mejores composiciones con demasiada anterioridad. Al final terminas pensando “¿tres años para esto?”. Aunque el disco se deja escuchar. De hecho, es en la segunda mitad de ‘WHB’ donde está lo mejor. Donde se adivinan algunos ecos de Joy Division o de The Smiths (en la parte vocal) en ‘Centerfolds & Empty Screens’, que se confirma como una de las mejores canciones del LP y un ejercicio de electrónica sucia bastante interesante. Encadenada con ‘Hear It In The Cans’, ‘You Came Out’ y con ‘Hero Knows’ como colofón final, We Have Band dejan ver que ‘WHB’ podría haber sido mucho más interesante. Habrá que seguir esperando.

Farala.

The Radio Dept.: ‘Clinging To a Scheme’ (Labrador / Popstock!, 2010)

2010-08-06T04:34:00.000-07:00

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“People see rock’n’roll as youth culture and when youth culture becomes monopolized by big business, what are the youth to do? Do you have any idea? I think we should destroy the bogus capitalist process that is destroying youth culture”… Justo en el intersticio que separa la primera canción de la segunda en su último álbum, The Radio Dept. liberan esta cita extraída de “1991: The Year Punk Broke”, un documental que sigue la vida en la carretera de Sonic Youth, Nirvana y otras bandas durante el citado año 91. La cortan, eso sí, justo en el momento en el que la voz debería continuar con una frase bomba: “The first thing to do is destroy the record companies”. Pero es que a los suecos no les interesa la parte capitalista: su intención se queda en la defensa de la cultura juvenil primigenia. Una defensa intencional y nada gratuita.

Justo ahora, cuando la ola de pop hipnagógico de la temporada pasada empieza a abandonar la orilla del hype, llegan The Radio Dept. y reivindican esa “youth culture” primigenia, aquella a la que el capitalismo todavía no había pervertido, despojándola de cualquier tipo de profundidad y simplificándola al nivel de una alegría banal e insustancial. Dicho en otras palabras: al Papa lo que es del Papa y al sueco lo que es del sueco. Podía parecer que el triunvirato formado por Memory Tapes, Neon Indian y Washed Out (la Sagrada Trinidad del pop hipnagógico) se aproximaba al legado sueco por la vía del hedonismo burbujeante y contagioso; pero “Clinging To A Scheme” está dispuesto a demostrar que la alegría sueca tiene distintos niveles de lectura. Y que, bajo esa primera capa de piel, el resto de epidermis está preñada de la melancolía y afectación con la que crecen los jóvenes más aficionados a las librerías de segunda mano y menos al McDonald’s.

Los mismos The Radio Dept. dicen que el tercer álbum de su larga trayectoria (la primera formación de la banda data de mediados de los 90) está influido por “el post-punk minimalista, el krautrock repetitivo y el ambient noise”. Pero lo que aquí hay es synth-pop mayestático. Aceptamos el minimalismo (sin el post-punk), la repetición (con ciertos toques kraut, eso es cierto) y el ambient (sin el noise). Pero el resto es una amalgama deliciosa en la que las capas de sonido se entrelazan con una suavidad extrema y brumosa hasta llegar al punto de que “Clinging To A Scheme” bien podría considerarse una única canción dividida en diez partes. Lo cierto es que tiene mérito proporcionarle un empaque homogéneo a un sonido en el que subyacen influencias tan dispares como Joy Division (con esa sequedad espacial y percutiva tan patente en canciones como “This Time Around”), Junior Boys (a través de esa elegancia lánguida y sintética sublimada en “Memory Loss”), Pet Shop Boys (por toda la carga de derrota con un trasfondo de alegría, tal y como puede escucharse en “Heaven’s On Fire”) y My Bloody Valentine (al fin y al cabo, no pueden alejarse de la neblinosa influencia del shoegaze que marcó el debut de la banda).

A medio camino entre lo analógico y lo sintético, entre lo real y lo irreal, “Clinging To A Scheme” es un disco que puede deslizarse por tus oídos con la peligrosa velocidad del mercurio: si no le prestas atención, si no lo agarras dócilmente, se escurrirá y se escapará. Pero si te abres de orejas y pones atención a los detalles, a las diferentes capas que juegan al escondite inglés, todo un espectáculo de luminosidad baleárica y pop brumoso estallará en tus retinas e inundará tus sentidos. Como si una novia en ciernes te hubiera grabado una cassette (de hecho, parece que la banda busca precisamente aquel sonido crujiente y sucio) con los grandes éxitos del synth-pop ochentero menos obvio. Como si tu mejor amigo te hubiera regalado una mixtape que dejará constancia de que vuestra adolescencia se acaba y de que la alegría de los 15 años empieza a preñarse de una tristeza suave que ya no os abandonará nunca. Como si el Burguer King y la MTV no hubieran adormecido a la juventud haciéndole creer que la alegría es un sentimiento maravilloso que puede durar para siempre. Así suena este disco. Y así, a base de profundidad, han conseguido The Radio Dept. firmar la respuesta perfecta a la tontería yanqui que creía que podía facturar el sonido sueco mejor que los propios suecos.

Raül de Tena.

The Whitest Boy Alive: ‘Rules’ (Bubbles, 2009)

2010-08-05T06:10:00.000-07:00

( Spotify )

Decía Erik Glambeck Bøe (compañero de Erlend Øye en Kings of Convenience), que componer una canción es como dibujar un círculo perfecto a mano alzada. Es una imagen acertada, que junto a la obsesión de Øye por explorar todos los cromatismos sonoros de su guitarra, empuja a la pareja a buscar continuamente la belleza, cada uno por su lado o juntos, ya sea desde un punto de vista más objetivo en The Whitest Boy Alive o desde uno más subjetivo en Kings of Convenience.

Con el coqueto “Dreams” (Service, 2006), Whitest Boy Alive reagruparon en 2006 a una buena base de fans que en gran parte ya arrastraban de antes y que hoy harán la cola que haga falta y donde sea a tenor de trabajos como este “Rules”. Un disco resultado de las pruebas de sonido y de los ensayos a modo de jams de su debut, que fue grabado en México, cerca de la playa y en directo, bajo la consigna de no utilizar ningún añadido que luego no pudiera ser reproducido exactamente igual en vivo.

Aquí, Erlend toma como referente una paleta de grupos elegantes y educados para calentar las articulaciones. “Rules” suena a Phoenix haciendo estiramientos junto a Fleetwood Mac, a Zero 7 acariciando las lumbares de Joy Division, a The Notwist haciendo cosquillas a Everything But the Girl. Todo bajo el suave pálpito latente de la bossa nova, un estilo sobre el que planean exquisitamente desde un moderno y europeo punto de vista.

Conceptualmente, dicen que cada canción marca una ‘norma’ a obedecer. Todas ellas se apoyan en letras ciertamente satíricas, melancolía ahumada y espinas romas de drama pop. El pulso electro-pop de “Courage”, el funk dopado de “Timebomb” o el ritmo algodonoso de “Gravity” se mezclan con burbujas de rock teutón, ‘moods’ de dance educado e intermitencias de indie viscoso. La profiláctica producción (se) pierde un poco en el tramo final pero los confirma como un grupo fantástico destinado a superar al otro proyecto de Øye, con quienes está a punto de entrar a grabar un tercer álbum. ¡Ojo con el pelirrojo!

Cristian Rodríguez.

Yann Tiersen: ‘Dust Lane’ (Mute / PIAS, 2010)

2010-08-04T20:40:00.001-07:00

Yann Tiersen publicará su nuevo disco, ‘Dust Lane’, el próximo 4 de octubre. Para lanzarlo al mercado ha fichado por Mute. En España le distribuirá PIAS. El álbum ha sido producido por Yann Tiersen y Ken Thomas (Sigur Rós, M83, Moby, Psychic TV, PiL, Cocteau Twins…) e incorpora “sonidos y texturas de electrónica vintage”, que Tiersen ha descrito como “un viaje por el polvoriento sendero que nos lleva hacia la muerte. No se trata de nada triste, sino de una experiencia colorista, dolorosa a veces pero esencialmente placentera: ¡la vida!”.

Una de las piedras angulares de ‘Dust Lane’, según el mismo Yann Tiersen, es el lanzamiento hace unos meses del EP ‘Palestine’. Ici,d’ailleurs pidió a varios miembros del colectivo This Immortal Coil, entre los que estaba Matt Elliott como Third Eye Foundation, que hicieran su propia lectura de esta emblemática pista. El resultado puede escucharse en Spotify, aunque no está confirmado si la revisión de ‘Palestine’ de Yann Tiersen irá en el álbum o sólo es su punto de partida por estilo.

El autor de ‘Le Phare’ y de las bandas sonoras de ‘Amelie’ y ‘Goodbye, Lenin’ también ha anunciado tres fechas en nuestro país en las que presentará el nuevo disco:

13 de noviembre: Sant Jordi Club (Barcelona)

16 de noviembre: La Riviera (Madrid)

19 de noviembre: Sala Rockstar (Bilbao)

Wild Nothing: ‘Gemini’ (Captured Tracks, 2010).

2010-07-31T01:31:00.000-07:00

( Spotify )

Sería interesante saber si en la vida de la persona que maneja los hilos de Wild Nothing, Jack Tatum, hubo mayor cantidad de golpes de buena suerte o de malas coincidencias. Porque una vez que decidió publicar su debut, “Gemini”, y darle así el empujón definitivo a su proyecto unipersonal (él se encargó de tocar todos los instrumentos que dan forma al disco) se topó con una piedra (más bien montaña) que dificultó su travesía: The Pains Of Being Pure At Heart. No hay nada más desconcertante que usar la expresión “si hubiera…”; pero, ¿qué hubiera sucedido si los neoyorquinos nunca hubiesen asomados sus cabezas? Seguramente, que el bueno de Tatum se llevaría un buen pedazo del pastel del nuevo shoegaze / twee / dream-pop. Sin embargo, la realidad fue más dura y tuvo que presenciar cómo su disco se quedaba olvidado en las estanterías de los “pendientes de escuchar” mientras sus compatriotas se convertían en el estandarte del citado revival. La cuestión es que todo aquel que descubrió “Gemini” lo dejó en buen lugar, pero ese eco no traspasó las fronteras alternativas más irreductibles. Ni siquiera la nota que abre la revisión de Pitchfork (8.2) ayudó en la tarea, pues ni en Gran Bretaña se enteraron del asunto. Al igual que en España, donde, además de unos cuantos melómanos, hay honrosas excepciones como la del blog Hipersónica, en el que su valoración no pasa de un bien. Esa es la dinámica en la que se mueve “Gemini” desde su salida: elogios sin impacto posterior o prácticamente la indiferencia. La mejor manera de resolver ese problema se encuentra en atender a sus canciones: las celestiales “Drifter” y “Confirmation”, la neworderiana “Bored Games”, el recuerdo a The Cure de “The Witching Hour” y la joya de la corona: “Summer Holiday”, fiel estampa de las emociones que arrastra un amor de verano. Por si esto no fuese suficiente, Tatum acaba de lanzar el EP “Evertide”, con otros tres motivos para, de una vez por todas, ensalzar a Wild Nothing.

Jose Antonio Martínez.

El 'CONTEMPOPRANEA' deja Alburquerque.

2010-07-30T16:02:00.001-07:00

Ayer por la tarde, en la web del festival Contempopránea encontrábamos una noticia en la que “la organización” agradecía a público, artistas y demás implicados su entrega y pasión en la recientemente celebrada edición, ya la decimoquinta, que tenía lugar una vez más en la localidad pacense de Alburquerque.

Sin embargo, en el mismo comunicado, el festival denuncia en un tono muy amargo que de nuevo público y personal propio del festival, e incluso artistas, han vuelto a sufrir no solo la carencia de alojamientos que dicha población sino también el abuso que de ello se llega a generar, con precios abusivos a cambio de viviendas a menudo indignas de ese nombre. He aquí el texto íntegro:

“Cerrar y abrir un nuevo ciclo.

Gracias a todos un año más.

Gracias al público que con su exquisito comportamiento y entrega ha hecho que no olvidemos jamás esta 15ª edición. Gracias a los técnicos por su profesionalidad y por hacer que todos los artistas se sintieran motivados. Gracias a los artistas por darlo todo en el escenario.

Gracias a todos los trabajadores y trabajadoras del festival por atender con cariño a nuestro público y por su entrega con el festival. Gracias a los medios de comunicación por hacer de altavoz, y gracias a los sponsors por su apoyo en estos tiempos difíciles.

Pero no todo ha estado a nuestro favor, nuevamente, hemos tenido que padecer los graves inconvenientes de un alojamiento caro y de mala calidad. Han sido muchas las cartas recibidas denunciando hechos muy lamentables con muchos alquileres de casas particulares. A este respecto, y para despejar toda sombra de duda, la organización del festival nunca ha tenido nada que ver con la gestión de las casas de alquiler ni con aquellos que la gestionan. Siempre nos hemos limitado a informar en la web del festival de las diferentes opciones de alojamientos, y un año más, nos hemos sentido engañados y nuestro público estafado.

Nosotros también hemos sufrido los abusos llegando a pagar cifras desorbitadas por casas en el pueblo o pagando casas sin un mínimo de habitabilidad.

Hemos tenido problemas para alojar a nuestro personal técnico, a los artistas… muchas veces la producción del festival ha peligrado por no disponer de un alojamiento cercano.

Hemos aguantado esta situación por amor a nuestro festival y a nuestro pueblo, pero después de 15 ediciones y viendo que el problema no solo continúa sino que crece, nos vemos en la obligación moral de cerrar un ciclo y abrir otro.

Pedimos disculpas al público que se vio involucrado en alguna de estas situaciones, ajenas al festival, y que han contribuido a deteriorar la buena imagen del festival.

Una situación que viene repitiéndose año tras año, y que injustamente viene padeciendo un mayor número de asistentes. Un público que se deja el dinero y su exquisito comportamiento no puede ser tratado de esta manera por un sector de la población sin escrúpulos. Aquí tenemos el cuento de la gallina de los huevos de oro.

Ahora nos toca a nosotros “la organización” pensar en el futuro del festival, cerrar y abrir un nuevo ciclo, por el pop y por vosotros.

Gracias a todos.”

De momento, no hay más anuncios al respecto. Confiamos en que este veterano festival solvente pronto esta circunstancia y no suponga traba alguna para la celebración de próximas ediciones. ¡Ánimo!

Perfume Genius: ‘Learning’ (Matador, 2010)

2010-07-29T04:36:00.000-07:00

( Spotify )

Mike Hadreas es un chaval de veinte años cuya única recomendación (a tan temprana edad, es normal y entendible) viene de Gareth Campesinos! (Los Campesinos!). Únicamente la necesita para vender un poco más (aunque Los Campesinos! no tienen el reclamo mediático de U2), pero en absoluto para avanzar por la pasarela del mundo folkie con uno de los trabajos más espectaculares dentro de una producción ultracomedida y basada enteramente en el piano. Diez canciones incluidas en su debut (bajo el alias Perfume Genius) que a duras penas llegan a la media hora y que, no obstante, tienen un relleno y una densidad emocional que instauran un monopolio durante toda la escucha. Según dice Hadreas, se ha pasado toda su vida escondiéndose de las cosas (entendemos malas) que le ocurrieron tanto a él como a su familia y amigos. ¿Quieren un listado facilitado por el propio artista? Porque lo hay. Ríanse ustedes de la infancia de muñecos brillantes como Michael Jackson o Macaulay Culkin: abusos sexuales, adicciones, suicidios. Todo esto forma parte del grupo de experiencias cercanas a la muerte según Hadreas. Y solamente pudo abortar la cuarentena interior mediante la música, y en concreto con éste primer LP, “Learning”, toda una terapia psicológica en plan exhibicionista (por mucho que se tape la cara en la portada).

En el disco encontraremos canciones que parece que siempre han estado ahí, esperando a que alguien las encuentre, que suenan como clásicos del barbudismo (género musical donde englobamos a otros hombres tristes como Damien Jurado o J. Tillman, por ejemplo). Es el caso de la homónima “Learning” y su tristísimo piano, “You Won’t B Here” (construida sobre arpegios en escalas básicas y un coro que secunda una melodía ensoñadora), la canción de madrugada catártica que es “No Problem” o la tristeza de gospel de “When”. Por supuesto, no solamente es piano y voz y tampoco estamos hablando de Rufus Wainwright, aunque los arreglos semielectrónicos tienen un cometido más atmosférico que estridente; en “Look Out, Look Out” una voz de transistor se mezcla con un reverb ambiental muy leve; y en “Gay Angels” se utilizan teclados extensos a lo David Lynch, coros de catedral y la superposición de voces. Otro de los puntos fuertes de esta nueva promesa son las letras, más hirientes que una promesa rota, sobre todo las de “Mr. Peterson”, en la que habla sobre el suicidio de un ser querido (fijémonos, de paso, cómo deja aire a la canción cuando construye sobre melodías cortas para dejar que el peso lo lleve el piano). Es en éste tema donde por única vez menciona influencias externas: Joy Division es la banda escogida. Los sucesos que han inspirado a Hadreas se caracterizan por ser completamente personales, como trasluce “Write To Your Brother” y la historia de una tal Mary que se supone que debe recordarle a alguien que su madre le trata como a un amante y que debe evitar decir tonterías sobre ella, en lo que parece un diálogo-pensamiento sacado de un hecho real.

Las canciones del debut de Perfume Genius (y, si somos afortunados y el mundo es un lugar lo suficientemente romántico, del resto de su futura carrera) vienen con un manual de instrucciones invisible. Como ocurre en “Perry” (por decir una), el mensaje que transmiten únicamente podrá captarse si uno directamente las interioriza durante un momento espiritual importante o se encuentra psicológicamente afectado (para bien o para mal). Un poco como sucede con la música personalísima de Chan Marshall en sus etapas más depresivo-autodestructivas. El final de la mencionada “Perry”, un tanto psicodélico de sonidos agudos de guitarra casi chirriantes, lo atestigua. Hay lava ardiendo bajo este volcán en apariencia tranquilo. Degústenlo, pero con cuidado. Ya dijo David Foster Wallace que la gente no sabía lo que se decía cuando asociaba la literatura con tumbarse en un sofá y leer bajo la luz de una lamparilla IKEA. Lo mismo aquí. Los pianos crepusculares (en “Never Did”, especialmente sangrantes) y la estética lo-fi pueden a uno cambiarle la vida, aunque sea durante media hora. Si no me creen, intenten escuchar de una sentada una recopilación de Satie, y luego traten de ser felices.

Jordi Guinart.

Adios al 'Ambigú'. La radio se queda a oscuras.

2010-07-28T17:35:00.000-07:00

Ayer fue el cumpleaños de Diego A. Manrique, presentador de uno de los programas más esenciales de la radio musical de este país: El Ambigú de Radio 3.

Y también fue la última emisión de su programa, después de haber sido cesado como Asesor de la Dirección de Radio 3 y no haber alcanzado un nuevo acuerdo para seguir con su programa. Hasta ayer, nosotros teníamos la suerte de sucederle en la parrilla de la emisora. Era una suerte y también un acicate sonar en vuestras orejas después de que Diego Manrique las haya preparado para cualquier cosa, para cualquier sonido del planeta azul.

Me enteré de ambas cosas después de nuestra emisión, así que quería felicitarle hoy en antena. No sólo por cumplir sesenta añazos con ese cuajo que él se gasta que parece que no le asusta la sombra del tiempo (aunque quién sabe), sino por cumplir tantos años en la antena de Radio 3 con la misma lozanía de oído para descubrir dónde hay una canción imperecedera, dónde un sonido excitante, dónde un músico inquieto que merece la pena descubrir, dónde un disco con más de dos caras, dónde una voz con cosas que contar como la suya…

Y dónde no. Manrique también nos ha salvado más de una vez de meter el cazo en una olla sin sal ni pimienta. Una de las cosas que más me gustan de Manrique es que se salta esa convención no escrita que dice que sólo hay que hablar y pinchar de lo que a uno le gusta.

Más de una vez Diego ha expresado con elegancia, pero contundencia cuando algo no le gusta, cuando le parece que un músico ha errado el tiro o ha perdido el rumbo.

Porque El Ambigú tiene criterio. Por supuesto que no siempre lo comparto, pero es siempre estimulante ese intercambio de ideas y pareceres con la voz que te habla desde la radio.

A Manrique lo tenemos en un altarcito con el resto de nuestros héroes personales. Él fue El Padrino de esta carnicería. Le pedí que me acompañase el primer día porque, como os dije entonces, él es una de las razones principales de mi vocación radiofónica y de mi afición a la radio y muy particularmente a esta emisora tan particular que es Radio 3.

En esa charla que mantuvimos le pregunté por la A de su nombre Diego A. Manrique. Una pregunta muy trivial, lo sé, pero siempre me había intrigado esa A seguida de un punto con la que firma. Creo que me dijo que era la A de Alfredo. La verdad es que no estoy seguro. Así que para mí esa A seguirá escondiendo otros muchos significados. Para mí la A de Diego A. Manrique es…

La A de Abrir las orejas a universos sonoros que no conocías.

La A de Antídoto contra el convencionalismo y la desidia musical, contra la A maldita: la A de Aburrimiento.

La A de Ambigú, ese club en el que te sientes un cliente selecto que ha tenido la suerte de ser admitido a escuchar unas delicias que te sirve un tipo que no es precisamente un anfitrión expansivo y jovial, pero que te hace sentir bien atendido sin agobiarte… y cuya seriedad aprecias porque sabes que el plato que te recomienda lo ha probado él antes.

La A de Antología de la radio, porque su programa ha sido una colección de grandes momentos radiofónicos, de preciosos y precisos silencios después de una canción, de comentarios que te dejan pensativo, de inolvidables onomatopeyas admirativas, como sus ya inolvidables “mmmmmmmmmmm” después de degustar una buena canción.

Y es la A de Aprender, ese verbo que nos salva a los humanos de la A de Apatía, la A de Abulia y la A de Angustia. Aprender, una de las escasas experiencias que hacen que esto de vivir sea interesante y divertido. Y con el Ambigú uno aprende y se divierte.

Por eso son tan necesarios los maestros como Diego A punto Manrique. Y por eso esa A es la primera letra de mi diccionario radiofónico.

Me estoy leyendo la biografía de Tom Waits, La coz cantante, escrita por Barney Hoskyns (muy entretenida, por cierto). Hablaba Tom Waits de Lou Curtiss un tipo de San Diego que tenía una tienda de discos abarrotada de joyas musicales, un auténtico ambigú musical, y lo que decía me pareció un retrato exacto de lo que es Diego Manrique y El Ambigú para mí:

“Lou Curtiss es un heroico cascarrabias, emprendedor y guardián de la antorcha. Su tienda, Folk Arts, es una biblioteca del espíritu, un banco de semillas como lo es la biblioteca del Congreso. Allí acudes para iluminarte. Todos los secretos del universo están allí guardados. Y si se cierra… El mundo quedará a oscuras…"

Ojalá vuelvas, Manrique, pero, en cualquier caso, vayas donde vayas y estés donde estés, sólo quiero mandarte un mensaje, como le decían al alcalde del pueblo en Amanece que no es poco: "Todos somos contingentes, pero tú eres necesario".

Es un día triste para mí y para la radio, que tras 18 años en antena perderá su sintonía.

Javier Gallego ‘Crudo’.

Al Supersonic & The Teenagers: ‘Not Too Young’ (Unique, 2010)

2010-07-27T18:20:00.000-07:00

( Spotify )

Desde hace muchos años ha habido generaciones de personas que no se han dejado influir por los sonidos más comerciales que les ha impuesto la “mass media”. Personas que se han preocupado de investigar en sonidos poco convencionales y sobre los que han girado y giran a 33 o 45 rpm.

El grupo que nos ocupa hoy está formado por gente que engloba este grupo de personas, gente inquieta musicalmente y especialmente interesada por el SOUL. Una gente, que amando a músicos de SOUL clásico como Otis Redding o Aretha Franklin, fueron más exigentes y quisieron llegar más lejos, excavaron en lo más profundo del SOUL y llegaron a donde muy poca gente ha llegado. Un lugar donde solo unos pocos son capaces de apreciar los sonidos que allí suenan. Unos sonidos que una vez escuchas, te atrapan y no te dejan escapar.

Formados hace ya unos años como The Teenagers, este sexteto granadino ha ido progresando en su buen hacer con personalidad y dando pasos firmes y seguros. Dejan muy claro que por sus oídos han pasado discos muy buenos que les han dejado mella.

Treintañeros circunspectos, ajenos a caprichos pasajeros y, como vengo diciendo, vacunados contra la dictadura de la actualidad. Se les podría tachar de oportunistas en plena fiebre por lo afro. Pero ellos optaron por el camino más largo. Melómanos cuya educación sentimental se nutre de “soulzines” y compras por correo de discos de Stax, Kent, Motown o Atlantic, por citar algunos.

Northern Soul, vientos, arreglos clásicos, sonido que parece extraído de esos clásicos que suenan en los “allnighters”. Tan sólo algunos de los componentes de una de las bandas más interesantes, género por género, que se puedan escuchar actualmente en la península ibérica. Nada, pero nada, que envidiarle a congéneres como Eli “Paperboy” Reed o los Dap-Kings, popes de todo este nuevo revival soulero.

Esta obsesión de la que hablamos, les ha llevado a colaborar con gente tan influyente dentro de la escena Soul internacional como el mítico Dean Parrish o la que fue musa de los Small Faces, P.P. Arnold. Gracias a estas colaboraciones, pudieron embarcarse en una sucesión de conciertos por Inglaterra, donde consiguieron, aparte de éxito, el bagaje necesario para seguir adelante. En este año, han tenido la oportunidad de sacar a la luz un 7” junto con Roy Ellis, ahí es nada… y están embarcados en una serie de conciertos como banda del SoulStar Tommy Hunt.

Ha llegado el momento de centrarnos en el cuerpo de este artículo, la presentación de “Not too Young” (Unique Records) el primer larga duración de estos soulies que nos ocupan.

Centrándonos, como decimos, en ese “Not too Young” que ha sido editado tanto en Lp de 12” como en formato digital por el sello alemán UNIQUE. Podemos decir que es sin duda el mejor trabajo de Soul realizado en este país, y está a la altura de muchos contemporáneos de fuera de nuestras fronteras. También voy a empezar diciendo que donde de verdad se disfruta este trabajo es en los arrasadores directos que efectúa la banda.

Producido y mezclado por Carlo Coupé, en los estudios Funkorama de Madrid, incluye doce temas todos ellos escritos y compuestos por Al Supersonic excepto “The United Nation of Soul”.

El primer picotazo te llega con el “To be Young” donde queda ya demostrada la indudable calidad de la voz de Al, personalmente en algunos registros me recuerda mucho a la de Paul Weller, unos vientos muy marcados y un claro toque crossover que se deja ver en el resto de los temas del álbum.

Los siguientes temas son una consecución de medios tempos de claro enfoque de finales de los 60s, queda muy claro el talento de esta banda en ellos con una consecución de filigranas orquestales que te llevan al disfrute máximo del sonido. En ellas y en realidad en todos sus cortes queda muy marcado el poderío del trombón y ese Saxo. De agradecer en los vientos la inclusión de una trompeta a cargo de Jimmy García. En este grupo de temas incluiría también el “You don't have to love me”, incluido en la cara B.

Con la llegada del “Mercy Mercy” damos un paso atrás en cuanto a sonido, más “soul 60s” con una intro similar al Lovin' by the pound de Otis Redding, unos arreglos muy buenos y una letra con poca profundidad pero más que efectiva, al más puro estilo de las composiciones de aquella época en las que el amor y el desamor eran el centro de todo.

Otro favorito es este “The Little red rooster song”, un largo comienzo instrumental donde la percusión tiene un protagonismo mayor que en otros cortes. Uno de esos tempos que te acunan, y una de las oportunidades de disfrutar de la voz de Al en su máximo esplendor.

Unos compases más modernos, con un toque funk para ese “The United Nation of Soul”… el único corte no compuesto por Al, mucha fuerza y savoir-faire, parece un tema propio por su buena ejecución aunque esto no es nada sorprendente para quien haya tenido la oportunidad de verles en directo haciendo suyos temas de PP Arnold, Dean Parrish o el mismísimo Tommy Hunt.

El “Rumours” y el “Keep on Walking” que puede considerarse un himno ya, son dos de los temas con más fuerza, uptempos cargados de personalidad. De esos que te arrastran a bailar y que han sonado en más de una pista de baile en las últimas semanas.

“The Story of Speedy Mannie”, puede catalogarse por su orquestación como el tema más exótico del álbum, unos compases marcados perfectamente por Vanesa al órgano que le dan ese toque especial. En el queda muy clara la gran variedad de recursos de la banda.

Para cerrar este fantástico, por si no ha quedado claro, álbum lo hace con, quiero entender que es así, un homenaje al resto de la banda en forma de instrumental. De la misma forma que empieza con el “To Be Young” pero esta vez sin la voz de Alfredo.

En definitiva un trabajo muy profesional, con una herencia clara del buen hacer a lo largo de los años de bagaje de la banda e imprescindible tanto para los amantes del Soul como para aquellos que no se conformen con sonidos impuestos y quieran apostar por la música de calidad.

Sergio M. Vivas.

The Drums: ‘The Drums’ (Moshi Moshi, 2010)

2010-07-24T20:13:00.000-07:00

( Spotify )

El fantasma del hype ha perseguido a The Drums desde que se estrenaran con su primer single, ese irresistible ‘Let’s Go Surfing’. Casi por norma, ocurre que las bandas con singles tan enloquecedoramente inmediatos como éste, difícilmente esquivan la sospecha de ser una one-hit wonder, a menudo alimentada por su propio público potencial. Y aunque singles y EPs previos con canciones como ‘Best Friend’, ‘I Felt Stupid’ o ‘Submarine’ son igualmente certeros, también han hecho crecer aún más la expectación y hacían ya imprescindible superar la prueba-del-disco-de-debut. ‘The Drums’ llega así con esa excitante aura que acompañaba a los míticos debuts de Arctic Monkeys, Oasis, The Stone Roses o The Smiths.

No es casual que, pese a ser nacidos en Florida y residentes en Brooklyn, las referencias que inmediatamente saltan a la mente para hablar de The Drums sean británicas. Viendo sus fotos y sus vídeos, nadie pestañearía si le dijeran que son de Brighton. Y en lo musical, el propio Jonathan Pierce (cantante y frontman) cuenta que su primer objetivo era montar una banda que sonara como The Wake (grupo de Factory Records en el que militó un tal Bobby Gillespie, pre-Primal Scream). Y aunque no sea exactamente así, esa influencia es perfectamente palpable en la típica rítmica afterpunk de todas y cada una de sus canciones, solo que en este caso se fusiona, muy acertadamente, con aquel melódico espíritu twee de bandas de Sarah Records como The Orchids o The Field Mice. La fórmula puede resultar obvia a priori, pero lo cierto es que pocos (me atrevo a decir que solo los suecos The Radio Dept.) han logrado sacarle partido y, desde luego, nadie con el magnetismo, la imagen y la frescura de estos cuatro chicos.

“Solo escribimos sobre dos sentimientos: uno es el del primer día de verano cuando tú y todos tus amigos estáis sentados al borde de un muelle viendo la puesta de sol y te sientes abrumado por todos tus sueños y esperanzas a la vez. El otro es cuando estás solo caminando bajo la lluvia y te das cuenta de que estarás solo para siempre”. Así de simple, el mensaje de sus letras huye de lo trascendente y se centra en el eficaz manual de lo emotivo desde un punto de vista un tanto pueril, llenándolo todo de “heart”s, “forever”s (sobre todo “forever”s) y “skies”. Como en el caso de sus colegas de The Pains Of Being Pure At Heart, lo apuestan todo a ese furor post-adolescente que, ya sea por empatía o por añoranza, resulta terriblemente excitante.

Esa excitación es especialmente acusada en una primera mitad del disco arrolladora. A las ya conocidas ‘Best Friend’, la imprescindible ‘Let’s Go Surfing’ y el glorioso single ‘Forever And Ever, Amen’, se suman las estupendas ‘Me And The Moon’, ‘Skippin’ Town’ y ‘Book Of Stories’. El baladón de aire 50’s ‘Down By The Water’ sirve de transición a una segunda parte del álbum menos enardecedora pero igualmente disfrutable, que muestra facetas distintas del grupo como el fraseo a lo Buddy Holly de ‘It Will All End In Tears’, el medio tiempo de estribillo glorioso ‘We Tried’ o la semi-acústica ‘I’ll Never Drop My Sword’.

‘The Future’, último corte, es quizá lo más flojo de todo el álbum y hace pensar precisamente en eso, el futuro. ¿Qué ocurrirá con el segundo álbum de The Drums? ¿Les habrá superado el éxito para entonces? ¿Cumplirá las altas expectativas? ¿Regresará la sombra del hype? De poco sirve pensar en ello. Mejor será abandonarse ahora a este álbum de (repetimos) aura mítica que para muchos de nosotros será el sonido del verano de 2010. Forever, forever, forever, forever, forever, forever, forever…

Raúl Guillén.

New Young Pony Club: ‘The Optimist’ (The Numbers, 2010)

2010-07-23T04:43:00.000-07:00

( Spotify )

Paranoias de criptóloga frustrada. Al entrar en el Myspace de New Young Pony Club encuentro una imagen de la formación con un cartel sobre sus cabezas que reza “the club is not a playground” (el club no es un patio de colegio). Entonces recuerdo que el primer disco de la banda inglesa se llamaba “Fantastic Playroom” (Modular, 2007) (la versión indoor de “playground” podría ser “playroom”, sala de juegos); su primer álbum hacía gala de una pose irreverente, descarada y divertida muy teenager. Fue precisamente esta pose la que los encumbró al éxito, sobre todo en las pistas de baile. Y es que con “Icecream” sonando y un par de chupitos resultaba fácil sacar la mamarracha que llevas dentro y sentirte la más guarra de las protas de “Física O Química”. Cuando escucho por primera vez este “The Optimist” la frase vuelve a mi mente y se convierte en una declaración de intenciones: “the club is not a playground”. NYPC ya no son niñatos, han madurado, se han sofisticado, han perdido a un miembro por el camino (Igor Volk, el bajista) y parecen querer dejar atrás la estela de su primer álbum. Si la maniobra es productiva en términos de beneficios mercantiles quedará por ver. Lo que está claro es que es una evolución tan natural como la vida misma y tan inevitable como la ley de gravedad. El tiempo pasa para todos. Pero hay cosas que son para siempre…

Como el tremendo carisma de Tahita Bulmer, su vocalista. La diva del flúor del electro-rock ha tirado sus camisetas de American Apparel, se ha dejado melena rubia platino y se ha hecho un fondo de armario nuevo a base de tiendas vintage y el Top Shop. Pero sigue siendo una tía con carisma, como hace gala su voz, más responsable de sus actos, más experimental, más cambiante. La serenidad y la presencia que adopta tarareando en “Oh Cherie”, así como la pose diva-heroinómana-rockera de “Rapture” no conocen precedente. Perdura, sin embargo, el aire de confianza, la actitud tirando a prepotente que ya conocíamos de sus anteriores canciones. Y prácticamente ella se convierte en la protagonista del álbum (así como de la portada del disco, sospechoso, ¿no?). Porque “The Optimist”, a pesar de abanderar un giro en el sonido de la formación que resulta atractivo, no contiene ningún verdadero hype, ningún temazo de esos que cuando lo oyes sabes que lo va a remezclar hasta la Abuela DJ. Con algo más de potencia bailable destacan “We Want To”, “Lost A Girl” o el single “Chaos”. A pesar de carecer del aura festiva de los éxitos anteriores, son un buen ejercicio de rock electrificado para pistas de baile indies. “Dolls” mantiene el bombeo de las anteriores pero añadiéndole un toque guateque con los sintetizadores y la pandereta. El resto de canciones de “The Optimist” no tiene nada de optimistas; todo lo contrario. Bajadas de revoluciones en comparación con el ritmo habitual de la banda, parece que Bulmer y sus compañeros se hayan pasado mucho tiempo encerrados escuchando The Cure, Interpol y Joy División y se les haya pegado algo del shoegaze de The XX. Líneas de bajo sobreexpuestas a cajas de ritmos marcadísimas. Y un oscurantismo, un desasosiego y una melancolía sólo comprensible en ese niño que descubre el desengaño de la vida adulta. El fin de la diversión, el principio de las responsabilidades.

Con un poco de suerte, la horda de fans que cultivaron tras el boom de “Fantastic Playroom” también habrá crecido, habrá madurado y ahora la vida le parecerá un poco más mierda, las canciones de “The Optimist” hitazos y lo anterior de la banda una banalidad de moderno gafapastas. De no ser así, puede que NYPC encuentren con este sonido fans venidos de otras influencias, menos electrónicas, más instrumentales, más acústicas. Como el disco. Pero aunque el éxito les dé la espalda con este nuevo álbum, un bravo por Tamita Bulmer, que ha puesto la primera piedra para convertirse en uno de esos iconos pop camaleónicos que tanto venden. Y otro bravo por la banda entera, que ha afrontado su nueva condición vital y la ha trasladado a su música con valentía y sin aferrarse a su dulce pasado. Ahora sólo cabe esperar que aprendan a disfrutar de la vida como lo hicieron antaño, a poder ser, antes del tercer disco.

Mónica Franco.

Slash: ‘Slash’ (Roadrunner, 2010)

2010-07-22T05:57:00.000-07:00

( Spotify )

Pocos se atreverían a discutir la inclusión de Saul “Slash” Hudson en la lista de los guitarristas más influyentes de la historia del rock. Su estilo, su técnica y su inapelable carisma han prevalecido durante los años posteriores a su tormentosa salida de los míticos Guns‘N’Roses, tras verse envuelto en todo tipo de problemas con un Axl Rose de carácter cada vez más difícil, un huracán de drogadicción y problemas psicológicos y el reto que suponía el aceptar que el rock&roll que les llevó a la cima del mundo se apagaba a medida que el monstruo de las nuevas tendencias se tragaba todo en lo que habían creído los viejos rockeros durante años.

La separación de bienes que sucedió al divorcio entre Axl y Slash finalizó con un resultado curioso: mientras que el vocalista retuvo para sí el nombre y los restos de una banda a la que ya muchos acusaban de haber perdido su toque personal y su alma en el escenario, el singular y no menos conflictivo guitarrista conservó el aprecio de la mayoría de los antiguos fans de los Guns, abriéndose un periodo de separación entre “Rosófilos” y “Slashófilos” que aún continúa en nuestros días y que garantiza perpetuarse por largo tiempo a menos que la tentación de una económicamente fructífera reunión tomara forma (cosas más raras se han visto).

Pues bien, como resulta del cariño de buena parte del público en general, Slash heredó uno de los factores más importantes en la vida personal y (sobre todo) profesional de alguien que se dedica a esto: amigos. En 2007, Slash mencionaba en su autobiografía que planeaba lanzar un disco con colaboraciones con artistas de renombre dentro del mundillo, y que pretendía llamar “Slash & Friends”. La intención era clara, el inglés quería disfrutar por primera vez de la sensación de tener las riendas de forma exclusiva y personal de su propio proyecto, a pesar de haber dejado su huella en bandas como la fugaz Slash’s Snakepit durante los noventa, o los exitosos Velvet Revolver, junto a Scott Weiland (entonces ex de Stone Temple Pilots), así como habiendo trabajado como guitarrista de sesión para numerosos artistas de primera línea como Michael Jackson, Alice Cooper, Ray Charles o Eric Clapton.

Tres años después, la palabra “friends” ha desaparecido del título del proyecto, pero afortunadamente sus amigos no. Y es que no hay que subestimar en ningún momento el poder de convocatoria de Slash. ¿Quién no acudiría en décimas de segundo a grabar con una leyenda de la música si él así se lo propusiera? Pocos, desde luego. Así, por los estudios en los que se grabó “Slash” aparecieron una por una celebridades como Ozzy Osbourne, Chris Cornell, Iggy Pop, Dave Grohl, Fergie o Kid Rock, entre otros, dispuestos a dejar su huella vocal (sólo el también ex-gunner Izzy Stradlin grabó guitarra para el disco aparte del propio Slash) en un disco que se grabaría sin más incidencias que la posible falta de disponibilidad de algunos de los invitados.

Si bien en las etapas posteriores de Guns‘N’Roses el propio Axl Rose había dejado clara con creces su afición por el uso de sintetizadores y la adopción de un toque más industrial en sus composiciones, Slash, a pesar de coquetear con otros estilos durante sus abundantes colaboraciones y apariciones especiales, no ofrece demasiadas variantes desde entonces. La clave de su sonido está más que clara, y es por eso que es éste uno de los pocos casos en los que hoy en día podemos declarar que nos encontramos, por encima de todo, ante un disco en el que rock, hard rock, rock and roll y salpicones de heavy metal se funden con la naturalidad y frescura de siempre en la variada monotonía de los punteos de Slash, ofreciendo un plato con un sabor familiar y agradable para aquellos que buscan el toque de antaño, pero con alicientes suficientes para adaptarse a las exigencias del mercado actual.

Dada la propia naturaleza del LP, queda claro que su gran baza no es otra que la multitud de singulares momentos musicales que ofrece, desde la increíblemente oportuna aparición de una desatada Fergie al frente de la enérgica “Beautiful Dangerous” a los suaves punteos de la dulce balada “Gotten”, interpretada por Adam Levine (Maroon 5), pasando por el metal de “Nothing to Say” con la ayuda del joven M. Shadows (Avenged Sevenfold).

Sin embargo, a pesar de los claros destellos de calidad que irradia “Slash”, la sensación de encontrarse ante una obra sin un sentido más allá de una combinación de ego musical y beneficio económico se presenta lo suficientemente clara como para preguntarnos qué significa realmente este disco. Con la excepción de la poco sutil “Crucify the Dead”, donde el aquelarre formado por Slash y Ozzy cargan las tintas de forma descarada contra Rose y el cierre final de “We’re All Gona Die” con Iggy Pop como portavoz de unos manidos valores rockeros, es literalmente imposible descifrar algo más que una cargante sobredosis de azucarada testosterona entre las letras del disco. Ahora, claro está, toca preguntarse si era lógico esperar algo más de este tipo de artistas. La respuesta es evidente.

Pero que estas circunstancias no confundan a nadie, la compilación dista mucho de ser aburrida, como ha demostrado el éxito de los sencillos lanzados hasta el momento: la anticipada “Sahara”, junto al japonés Koshi Inaba, fue uno de los singles más exitosos del pasado año en Japón y el single posterior, “By the Sword”, con la colaboración de Andrew Stockdale de Wolfmother, ofrece el gancho suficiente como para lanzar a cualquier hijo de vecino a por la totalidad del álbum. El ex-gunner sabe que la fórmula vende, y por eso ha lanzado seis versiones distintas del disco por todo el mundo, modificando la presencia de unos bonus tracks finales que bien valen el esfuerzo necesario para disfrutar de todos ellos, ya que las colaboraciones de Alice Cooper, Nick Oliveri o Cypress Hill (estos últimos en una divertidísima y espontánea versión rap de “Paradise City”) sólo estarán disponibles en dichas versiones.

Por su parte, desde el punto de vista técnico, poco hay que achacar al proyecto. La producción, a cargo de Eric Valentine, constituye un ejemplo de cómo una mezcla actual puede irradiar toda la energía necesaria para mantener el espíritu puramente rockero en pleno 2010. Salvo algún discutible arreglo de forma puntual, el acabado del disco resulta impecable para toda clase de oídos. Muy buenos músicos de sesión (¿a alguien le suena Josh Freese?) y muy buenas colaboraciones instrumentales por parte de Dave Grohl, Izzy Stradlin o Lemmy Kilmister, entre otros.

Con una portada horrible, unos valores musicales de discutible actualidad y más cara que espalda, Saul “Slash” Hudson nos encasqueta en pleno abril toda la calidad que ha conseguido concentrar en su mítica Les Paul (que no es poca) y nos hace mucho más llevadera la demostración con las colaboraciones de músicos del más alto prestigio dentro de la actualidad musical. Está claro que no ha descubierto nada nuevo, que el disco no marcará un antes y un después en la historia de la música y que mucho le falta para acercarse siquiera un poco a la calidad a la que nos acostumbraron los viejos Guns, pero también es cierto que para disfrutar de rock and roll de primera calidad no hace falta mucho más. Todas y cada una de las notas que completan los sesenta minutos de grabación están orientadas al más puro y visceral disfrute de las habilidades rockeras de Slash y es ese justamente el principal motivo por el que aceptar el trato que nos propone.

Fabián Rodríguez Vázquez.

‘Vinalopop Festival 2010’ (14 de agosto, Elche)

2010-07-21T01:56:00.000-07:00

‘Vinalopop Festival 2010’

The Pains Of Being Pure At Heart / Los Neoyorquinos de moda en el “indie” mundial, son uno de los grandes hitos de la temporada. No solo han confirmado ser la revelación Indie de 2009 gracias al éxito de crítica y público de su LP homónimo de debut. Cogido de la mano de las primeras encarnaciones de My Bloody Valentine, “The Pains Of Being Pure At Heart” se acerca a las primeras de Morrissey (esa forma de cantar de Kip Berman, medio adormilado e impostando el acento inglés, es muy Mozz) y a Sarah Records: y si en aquel sello The Field Mice cantaban “This Love Is Not Wrong”, ahora estos jóvenes suben esa apuesta con “This Love Is Fucking Right!”; lo gritan porque van sobrados. Más influencias: el twee escocés, C86 y el noise-pop cuando a ese sonido le hervía la sangre adolescente. The Jesus and Mary Chain, The Pastels y Black Tambourine, chorrean por su retrovisor. Son marcas que llevan marcadas en el rostro. No les pesan. Juegan (lo indica su nombre) al “maximun melodrama” y saben rentabilizarlo. Hay emoción sin freno y corazón arrebatado, hay angustia de los 14 años. Eso en un lado de la balanza. En el otro, la del que ya ha sido herido más allá de los 20, la sutileza y el refinamiento de la confianza melódica, la malicia del último fuzz-pop frente a la sincera vulnerabilidad del primero.

Dorian / “La ciudad subterránea”, tercer álbum que ha colocado a estos barceloneses en un lugar privilegiado de la escena musical de nuestro país. La banda ha sabido crecer manteniéndose en todo momento fiel a su sonido –esa mezcla de pop nueva olero, electrónica y rock-, y cerró 2009 con catorce llenos seguidos, seis de ellos colgando el cartel de “entradas agotadas”, y con una gira por México en la que tuvieron ocasión de actuar ante más de 12000 espectadores. Los tres primeros singles extraídos del álbum se están presentando en forma de tres videoclips que narran una misma historia. “La tormenta de arena”, lanzado el pasado mes de diciembre, fue el primero de una serie que incluye además “Paraísos artificiales” (salida el 1 de marzo), y “La mañana herida” (que vio la luz el pasado 1 de junio). Los tres videoclips, -extraordinariamente rodados y dirigidos por la productora Crampton-, cuentan una historia que se irá desvelando con cada nuevo estreno. La producción de Alex Ferrer (aka Sidechains / The Requesters) y ocho meses de intenso trabajo en el estudio, dotaron a Dorian de un sonido robusto y contundente que los barceloneses han sabido trasladar al directo. La nueva gira de la banda por España y México tendrá ocupados a Belly, Marc, Bart y Jordi a lo largo de los próximos meses.

Vinila Von Bismark & The Lucky Dados / Vinila Von Bismark lidera un nuevo proyecto musical de puro rock&roll. The Lucky Dados son un trío de Madrid adorado y respetado en el ambiente rockabilly más underground y purista. Llevan 10 años en activo, son grandes músicos y han sacado hasta la fecha sólo vinilos con una compañía japonesa. Se conocieron durante un concierto de Lucky Dados hace un año y fue amor a primera vista. El resultado es “The Secret Carnival”, su primer disco. El grupo acaba de llegar de Londres donde ha estado con Graeme Durham (productor y padre de Kitty, Daisy & Lewis) en los estudios Exchange dándole los últimos toques al álbum, un compendio maravilloso y excitante de puro rock&roll que incorpora sonidos del cabaret del período de entre guerras, del circo carnaval de los 20 y los 30, pero sobre todo calypso, swing, tropical… con toda la potencia, la energía, actitud y personalidad de Vinila Von Bismark.

The Leadings / Banda de pop electrónico formada en Murcia en 2008 cuyo único objetivo es hacer de cada canción un single rompepistas, de cada letra un mensaje en cada uno de sus temas, y de cada concierto una auténtica fiesta en la que no dejar de bailar un instante. The Leadings ha compartido cartel con Franz Ferdinand, The Horrors, Uffie, Orbital, Rinôçérôse, Crystal Castles, The Teenagers, New Young Pony Club, The Whip, Make The Girl Dance, The Rakes, The Go Team!, Hot Chip y con los Djs más importantes del indie Europeo como Jeff Automatic, Dj Amable, The Requesters, etc. Con The Leadings el espectáculo musical y visual está garantizado, siendo el broche de oro perfecto para cerrar cualquier festival de música independiente.

DJ Dongonzalo / Bombas, bombas, Dongonzalo sólo pincha bombas. Dongonzalo te mirará por encima de sus gafas mientras mueves el culo por la pista, porque de eso se trata, de reir, cantar y bailar. Los directores de festivales se tiran a sus pies rogándole que anime los allnighters, mientras él, con desdén, coge un avión a Amberes para pincharle Los Salvajes a los lugareños. Festejador profesional que hará tus delicias y, con toda seguridad, las de tu prima también. Indie, sixties, r’n’n a toneladas, seleccionado con la actitud más descacharrante del panorama.

Olimpic: ‘Dirty Towels’ (Cuac Música, 2010)

2010-07-20T07:43:00.000-07:00

( Spotify )

Aunque el primer LP de Olimpic, ‘Dirty Towels’, salió a la luz a principios de año, el proyecto del grupo bilbaíno comienza a gestarse hace cinco años, en 2005, cuando se lanza a la arena musical con su primer E.P, con el que se alzan con el Proyecto Demo del Festival Internacional de Benicàssim 2007. Y la cosa no acaba ahí, ese mismo año se convierten en banda Demoscópica de la revista ‘Mondosonoro’, título que les permite recorrer toda España.

Olimpic comienza así a dejarse ver por lo escenarios más emblemáticos del panorama nacional, como el FIB, Ebrovisión, Let’s Festival, Bilboloop, B.A.M., Festival Panorámico, Razzmatazz, Stereo Clubs, los Conciertos de Radio3 entre otros.

Y, por fin este año, Olimpic despliega todo su talento con su primer álbum de estudio, un trabajo presentado en formato doble con remixes de Ron Flatter, Anorak o Dj Gato. En definitiva, uno de los discos más esperados de la escena ‘indie’. Guitarras afiladas, synths para no dejar de bailar, certeras melodías y potentes beats conforman el universo de ‘Dirty Towels’.

Cuentan con la experiencia de haber llevado ya su particular y bailable visión del rock a lugares tan dispares como Bilbao, Londres, Ibiza o Burdeos y, a partir de ahora, su proyección, no sólo nacional, sino también internacional, está más asegurada con este trabajo, junto con su reciente colaboración en la campaña mundial de la prestigiosa marca de ropa británica Ben Sherman con el fin de recaudar fondos para Nordoff - Robbins Music Therapy, donde han participado artistas de la talla de King of Leon, Radiohead o Franz Ferdinand.

Olimpic ya no es una promesa, es pura realidad. Con un pasado que ha dado sus frutos y lo mejor por venir. Avalados por ‘Dirty Towels’ y su demoledor directo, esta banda de Getxo, conseguirá todo lo que se proponga. Con este disco, Cuac Música comienza lo que espera sea una larga etapa de lanzamientos previstos para este año.

Podéis descargaros su EP "Universal"

The Leadings: ‘Don’t Stop Till You Get Enough’ (Tsunami Music, 2010)

2010-07-19T03:58:00.000-07:00

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Cada cierto tiempo, el mapa que sitúa geográficamente el circuito alternativo musical patrio se expande más allá de las coordenadas que unen Madrid con Barcelona y viceversa. En ese ciclo suele tomar el mando una comunidad autónoma que acerca el extrarradio a ese centro neurálgico al reunir en un único espacio y tiempo diversos artistas y grupos que comparten el mismo tronco generacional. Desde hace unos años, el turno pasó a Murcia, que por arte de birlibirloque se convirtió en cuna de propuestas variadas que van, entre otros nombres, desde Second (y sus canciones radiables) a Klaus & Kinski (y su sabrosa ensalada pop), pasando por Alondra Bentley (otra pieza de ese nuevo folk femenino español tan en boga últimamente) y The Yellow Melodies (los más veteranos del elenco). Falta meter en el saco algún ejemplo de banda pensada para la fiesta (que en Murcia hay mucha y buena) a base de electro-pop-rock, como Varry Brava o la que nos ocupa, The Leadings. Sin embargo, lo peor de arrastrar esa etiqueta es que se tiene poco margen para darle la vuelta y evitar comentarios del tipo “no son más que unos chavales que se juntaron para llevarse al catre a las niñas después de cada concierto”… A no ser que se tenga el talento y las pelotas para dar el salto que practicaron, sin ir más lejos, Delorean. Pero, amigos, esas son palabras mayores. Aunque no vamos a ser crueles, y no recurriremos a esa frase tan manida para hablar de este cuarteto murciano (Juan Torrano: voz y guitarras; Paco Ganga: sintetizador, programaciones y bajo; Sergio Moreno: batería y bases; y Raúl Selles: videojockey). Basta con que digamos que estos chicos encajarían de maravilla en la colección sonora de todos aquellos fieles de discotecas indies que no pretenden más que bailar y pasárselo bien (mientras enseñan al respetable su último modelito o su nuevo peinado retro-moderno) sin pensar en nada más, como deben de hacer los propios The Leadings, si atendemos a la retahíla de djs y clubes que aparecen en los agradecimientos de su debut, “Don’t Stop Till You Get Enough!!” (Tsunami Music, 2010).

Mientras ese sea su objetivo, nada que reprochar. Otra cosa es que se propongan ir más allá. Según sus palabras, sólo desean “hacer de cada canción un single rompepistas, de cada letra un mensaje en cada uno de sus temas, y de cada concierto una autentica fiesta”. Lo primero, aún queda lejos; lo tercero, visto lo sucedido en la edición de este año del festival SOS 4.8, se acerca más a la realidad; y lo segundo, ni por asomo. Porque no está al alcance de cualquiera conjugar una melodía que disloque cada hueso del cuerpo con una lírica que realmente transmita profundidad y no sonroje: no hay más que fijarse en “Fucking VJ”, su estribillo ridículo y un “come on” repetido que podría sacarse de cualquier maquinita de juguete comprada en un bazar chino. Los clichés sobre el mundo de la noche se repiten a lo largo del disco: juventud, hedonismo y encuentros físico-amorosos (lo que se cuenta en “Stop”, “Tonight”, “Friday” o “Out Of Control”). Ante tanto jolgorio, si la resaca es dura, The Leadings buscan calmarla con “Let Me Try” y “Not Typical”, pero demuestran que Cut Copy les queda a miles de galaxias de distancia. La que se salva por los pelos de la quema es “Revolution”, porque tras escucharla cual martillo pilón en varias sesiones nocturnas de sábado se queda pegada al cerebro (a pesar de esos “¡huh!” cargantes)… hasta que el fin de semana se acaba, llega el lunes y se olvida por completo. El corte elegido para cerrar este LP, “Nothing More To Say”, sirve para afirmar que sí, que mejor no decir nada más. “Don’t Stop Till You Get Enough!!” se mueve en una planicie desértica 4×4 ideal para pinchar a los platos, pero para poco más. Se agradece el ánimo que intenta transmitir el título (tan jacksoniano), pero ni siquiera la doble exclamación insertada en él ayuda a que el disco levante el vuelo.

Jose Antonio Martínez.

Tom Boyle: ‘Maniobra de Aproximación’ (Starsky Records, 2009)

2010-07-18T16:07:00.000-07:00

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El debut de Tom Boyle se mueve entre el Donosti Sound y el Getxo Sound, dos movimientos surgidos a comienzos de los años 90 que revitalizaron la música en el País Vasco, asociada hasta entonces al punk y al rock. Desde Bilbao aparecían bandas cercanas al noise y a la no wave neoyorkina, con Sonic Youth como principal referencia. Aparte de Lord Sickness o Cancer Moon, fueron El Inquilino Comunista los que más repercusión alcanzaron, llegando a telonear a algunos de sus ídolos (The Breeders, Sonic Youth, Pavement). En cambio, en San Sebastián la vertiente era otra: bandas de pop delicado, que miraban al folk de los 60, al pop de los 80 y a viejas bandas españolas para contar historias cotidianas cantadas en castellano. Los pioneros fueron Aventuras de Kirlian, y la banda surgida de sus cenizas, Le Mans, pero los otros dos pilares son los que consiguieron un recuerdo más vivo: La Buena Vida y Family, autores de un solo disco, pero menudo disco.

Esta larga introducción a modo de "arqueología indie" viene totalmente a cuento tratándose de Tom Boyle. Oriundos de Getxo, y descendientes directos de la escena de su ciudad, miran sin embargo de soslayo a sus vecinos de Guipúzcoa, aunando las dos propuestas de una forma natural. "Maniobra de Aproximación" (Starsky, 2009), combina los momentos de furia y distorsión con la sutileza de un piano y una guitarra acústica. Utiliza el castellano, las voces chico-chica y letras sencillas pero evocadoras.

El disco comienza con la mejor canción posible, "Desdobladas", un tema que recuerda a Los Planetas de "Super 8" (RCA, 1994) y que cuenta el desdoblamiento de la protagonista en dos personas iguales en la superficie pero radicalmente en su interior , una mujer atrapada en su propia rutina y otra que se libra de todas las ataduras. La canción no tiene estribillo, pero es pegadiza como ella sola y supone una carta de presentación bien contundente. "Latido", "Tu frecuencia", "En otro lugar" y "Un día en la playa" juegan también en la liga del noise de los 90, en los que la voz monótona (adjetivo que no utilizaré de manera peyorativa, más bien en la misma línea que Jone, de Le Mans) de Gloria empasta perfectamente con la instrumentación.

En los momentos más intimistas también salen airosos. Los "pam-pam-pam" de "Soul Rider" nos retrotraen a otros tiempos, con sus dos voces y los arreglos de violín, y junto a la magnífica "La caja" recuperan el espíritu de Donosti.

La aventura acuática de "Sin noticias de Glub" es la más popera del álbum, y funciona como nexo de todas las influencias, al igual que "Eclipse", un medio tiempo in crescendo en el que los instrumentos van uniéndose a medida que avanza la canción, alcanzando altas cotas de emoción.

La producción de éste y el resto de temas es completamente vintage, y da la sensación de que no desentonaría en 1995. Que el productor Raúl Pérez esté considerado como un discípulo de Paco Loco probablemente tenga mucho que ver en el acabado final del álbum, que contiene las guitarras y sube el reverb dándole un aire que suena antiguo, y que es todo un lujo para los que amamos el indie de toda la vida.

BDF.

Lloyd Cole: ‘Antidepressant’ (One Little Indian, 2006)

2010-07-17T23:33:00.000-07:00

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Lloyd Cole está muy próximo de cumplir 50 años, pero sabe convivir con ello. Ya hace tiempo que ha asumido las circunstancias de su vida y, en lugar de abonarse a un ridículo complejo de Peter Pan, ha sabido adaptar todo ello a la evolución de su cancionero. “A mitad del concierto haré una parada, así que podréis llamar a la niñera para decirle que va a ser más largo de lo que esperabais”, dijo en su última aparición en España, el pasado mes de enero en el Teatro Cervantes de Málaga. Allí ya anticipó alguno de los temas de su anterior trabajo “Antidepressant”, un álbum que ironiza o reflexiona con sensibilidad en torno a situaciones y personajes de su condición.

El recuerdo no romántico de su juventud en ‘The Young Idealists’ o historias sentimentales desde la perspectiva de un cuarentón en Nueva York y sin el tópico glamour de teleserie son los ejes sobre los que gira un trabajo sobre cuyo título dice: “Un antidepresivo es una pastilla que hace sentirte mejor, pero su existencia implica la existencia de la depresión”. “Siempre he sentido que la música que hago funciona de la misma manera que el blues o el country”, añade. “En ella generalmente cantas sobre cosas que no van muy bien. Ayuda a la gente a sobreponerse a ese tipo de aspectos en su vida y finalmente encuentra regocijo o acercamiento en algunos de ellos. Yo consigo eso escuchando a Tindersticks o Tom Waits y sé que ése es el área musical en que me encuentro. Es improbable que esté escribiendo para las Ronettes en un futuro próximo”.

Todo eso ya se encontraba en su anterior trabajo, el alabado “Music In A Foreign Language” (Sanctuary, 2003), que suponía un retorno a su mejor forma influido por sus constantes giras acústicas. Un año después, volvió a juntar a su primera banda, The Commotions, formada cuando estudiaba Filosofía en Glasgow y con la que editó sus tres –y más populares- primeros álbumes: “Rattlesnakes” (Polydor, 1984), “Easy Pieces” (Polydor, 1985) y “Mainstream” (Capitol, 1987). Fue una simple celebración de aniversario de su disco de debut que no ha desviado a Cole de la coherencia de su carrera. Entre aquellas fechas y otros conciertos acústicos a discreción, se recluyó en su casa de Nueva York para componer las nuevas canciones. Tocó guitarra, batería y teclados y, pese a que pretendía hacerlo todo en cuatro meses, finalmente la cosa duró 18. “Me senté y me di cuenta de que todas las ideas musicales que tenía eran considerablemente más vivaces de lo que hubiese deseado, y eso me molestó un poco”, ha declarado. “Pero tú no puedes decidir cómo llega la creatividad y muchas ideas, irónicamente, eran el tipo de canciones que quizás una banda como The Commotions podría haber hecho”. Finalmente, y con la ayuda de un miembro de aquella formación (Neil Clark) y de Kevin O’ Rourke, Hurcules Peter Baldwin y los arreglos de cuerda de Dave Trenholm (King Radio), el autor de ‘Forest Fire’ y ‘Jennifer She Said’ desarrolló un álbum cuyo proceso, además, está documentado en su Weblog.

Además del primer single, ‘Travelling Light’, de la mencionada ‘The Young Idealists’ y la sarcástica ‘New York City Sunshine’ –en cuyo alegre estribillo invita a una mujer a salir de su mano y pasear entre los millonarios y los yonquis-, el tema más impactante es ‘Woman In A Bar’, que contiene una de las líneas que van a ser más instantáneamente populares en el repertorio de Cole: “Ya nunca más conducido a la distracción / ni siquiera por Scarlett Johansson”. “Empecé a escribir está canción hará unos cinco años”, ha dicho al respecto. “Se sitúa en un mundo que ya no existe. El concepto de un ambiente romántico y cubierto de humo es ahora una fantasía, una cosa del pasado. La escribí antes de que saliera ‘Lost In Translation’, pero me encantó esa película porque hay una encantadora inocencia en ella y no hay nada baboso en Bill Murray. Hay algo a lo que uno puede aspirar como un caballero mayor, uno puede contemplar maravillado a Scarlett Johansson sin ningún deseo de salir con ella”.

Lloyd Cole, una de las estrellas del pop-rock británico de los ochenta, ha fichado recientemente por el sello alemán Tapete Records. El nuevo disco de Cole, “Broken Record”, se pondrá a la venta en octubre. A España llegará de la mano de Green Ufos.

David Saavedra.

Hellsongs: ‘Hymns In The Key Of 666’ (Despotz, 2008)

2010-07-13T06:32:00.000-07:00

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Suecia, maravilloso país escandinavo que nos ha regalado (el mito de) la liberación sexual, el grupo ABBA, el himno ochentoso "The Final Countdown" de Europe, las tiendas IKEA, la escuela de diseño industrial sueca y dentro de mi campo de intereses estéticos, particularmente, la muy fecunda escena del Metal Sueco y sus numerosas bandas de Melodic Death Metal, Power Metal y Rock Progresivo.

Mucho Rock hay en Suecia, eso sí, y las influencias del mismo han desembocado en una agrupación musical insospechada: Hellsongs, banda con un nombre de esos que sirve para espantar pacatos religiosos (canciones del infierno) y cuya principal premisa musical es tomar temas clásicos del rock pesado y transformarlos en sutiles canciones folk acústicas (estilo que ellos mismos llaman "Lounge Metal"), logrando versiones bien interesantes de "Breaking The Law" (Judas Priest), "Run To The Hills" (Iron Maiden), "I Wanna Be Somebody" (WASP) y "I Wanna Go Home" (Headquake) por nombrar las canciones que tienen disponibles para descargar en su página web.

La banda es un trío y se compone de: Harriet Ohlsson (voz), Kalle Karlsson (guitarras) y Johan Bringhed (teclados). Por cierto, la voz de Harriet Ohlsson se acerca mucho a la voz de otra escandinava, Björk, en ciertos pasajes, sobre todo en la forma como juega con ella. El acompañamiento musical se toma algunas libertades harmónicas bien interesantes, por ejemplo, hasta llegar al coro, un oyente desprevenido no tendría ni idea de que está escuchando "Run To The Hills". Todo esto se añade para lograr una propuesta musical bien particular, y que con la debida promoción, podría llegar muy lejos.

Me llama mucho la atención el contraste entre el nombre de la banda, el estilo musical que practican y su imagen visual, contraste que se repite en el diseño de la página web, muy bien logrado a mi parecer. Lástima que de momento la gran mayoría del contenido de dicha página se encuentre en sueco, aunque prometen incluir pronto una versión completa en inglés. Este mismo hecho es el que no me deja claro si ya tienen un álbum completo o si lo están grabando, en todo caso, el mismo se llamaría "Hymns In The Key of 666".

Apocalypso Facto.

'Emily Jane White'. La delicada tristeza del Folk.

2010-07-12T19:04:00.000-07:00

Emily Jane White es una joven cantante y compositora de San Francisco que en alguna ocasión ha confesado: "No escribo música feliz. Estoy destinada a escribir canciones tristes, canciones reflexivas y contemplativas. Sinceramente creo que ese es mi trabajo." Esta reflexión ya quedó clara en su primer disco, Dark Undercoat (Talitres, 2007), que críticos y fans describieron como una obra maestra; un disco de blues-folk oscuro donde destacan temas como 'Bessie Smith' (toda una declaración de principios), 'Wild Tigers I Have Known' o 'Hold in the Middle'. Ahora, la que a menudo ha sido comparada con Chan Marshall (Cat Power) y Hope Sandoval, presentará su segundo trabajo, Victorian America (Talitres, 2009), en donde White consigue rellenar las líneas que quedaron en blanco, y lo hace con color, dinamismo, orquestaciones y un sentido más rico de la poética que dejará patente en su actuación en el Monasterio de La Cartuja.

Os dejo con uno de mis temas favoritos 'Never Dead' (y no 'Dark Undercoat' como apunta el rótulo) extraído de su reciente entrega Victorian America.

Efterklang: ‘Magic Chairs’ (4AD / PopStock!, 2010)

2010-07-08T22:04:00.000-07:00

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La electrónica ya les queda lejos, y la pequeña orquestación de “Parades” (2008) muy cerca, tan cerca que “Magic Chairs” puede considerarse ya como la confirmación de una ruptura sin vuelta atrás en el sonido de Efterklang. La electrónica paisajística de los comienzos, cuando debutaron con aquel delicioso “Tripper” en el sello Leaf, ya no es el lenguaje con el que se quiere distinguir la banda –y digo banda en el sentido clásico de la palabra, porque más que un grupo pop ésta es una orquestina de pasacalles en versión cool–. Ahora hay una ambición moderada que se contrapone a la tímida modestia de los orígenes. Antes eran más múm, es decir, más de cancioncillas que gusta mucho escuchar mientras te desperezas de un agradable sueño, y ahora son más Arcade Fire, con esa abundancia de épica que, en el caso de los daneses, es mucho más contenida que en los canadienses. Todo esto empezó con “Parades”, prosiguió con la versión en directo de ese disco, en el que la instrumentación había aumentado de una forma exagerada (“Performing Parades”), y ahora se consolida en “Magic Chairs”. Sin mayores sorpresas.

Sólo dos. Primero, el fichaje por 4AD, un sello que, por su identificación con el dream-pop, les viene mejor a Efterklang que Leaf, algo más asociado a la experimentación electrónica para oídos tiernos. Este traspaso de una discográfica pequeña pero respetada a otra discográfica un poco más grande y bastante más influyente es una escenificación del evidente crecimiento (popular, sobre todo) que ha notado el nombre Efterklang. Su chamber pop inmaculado merece más promoción, mejor distribución, el acceso de un público algo más amplio, aunque eso signifique siempre un riesgo –el precedente de Piano Magic, que comenzaron su cuesta abajo justo tras dejar Rocket Girl para fichar por 4AD es demasiado reciente como para no tenerlo en cuenta–. Por supuesto, tras el boom de Grizzly Bear, esas canciones de habitación cerrada con ventanas y arreglos neoclásicos, hay mucha gente ahí fuera que pide más y sellos con ganas de satisfacer esas necesidades. La segunda diferencia es que, a diferencia de Grizzly Bear, que contaron con Nico Muhly para los arreglos, Efterklang tienen a Gareth Jones. No es que Gareth Jones no esté mal para ocuparse de las mezclas –su trabajo para Depeche Mode le avala–, pero el resultado es mucho menos imaginativo. No lastra el resultado, pero impide crecer a las canciones como debieran.

Ese es el talón de Aquiles de “Magic Chairs”: sobresalen los arreglos, las fanfarrias y los instantes en los que comparten plano el piano y las cuerdas, pero es difícil acordarse de ninguna canción. Recordemos que, tras “Parades”, Efterklang habían aparcado los cacharros y habían preferido intensificar las melodías: una decisión valiente, pero que exige una responsabilidad, como poco en lo creativo. A menos que no fuera esa la decisión y nos quieran vender ahora como otra cosa lo que en el origen ha sido un error de cálculo. Teniendo en cuenta que Casper Clausen, Rasmus Stolberg y compañía están empezando a andar un camino y que el próximo disco debe ser el de la verdad, tampoco hay que ser mucho más puntillosos con ellos. Pero éste plantea una sensación incompleta que mitigan los grandes aciertos, que sin duda los hay: el aliento minimalista de “Modern Drift”, que recuerda en parte a Philip Glass, o “Raincoats”, que tiene unas palmas psicodélicas que le acercan a Animal Collective, y también “I Was Playing Drums”, que podría funcionar bien en la banda sonora de un film de Winterbottom. No revoluciona el pop, no crea ninguna nueva fórmula, pero sí aumenta la oferta –a nivel de escena– de un pop de cámara, tirando a barroco, que está destinado a ser fuerte en los próximos años.

Alberto Lista.

Jónsi: ‘Go’ (Parlophone, 2010)

2010-07-07T03:42:00.000-07:00

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Es difícil encontrarse un disco en el que las dos primeras canciones, ya de por sí, te parezcan insuperables. Pero más difícil es todavía que seis canciones y cuarenta minutos después, te des cuenta de que carece por completo de temas de relleno. De que no tiene ni una sola canción mala. De que desde el primer segundo te ha hecho entrar en el juego y ahora quieres ponértelo de nuevo porque es uno de esos álbumes emocionantes que no se ven todos los días.

Estaba claro que Jónsi no iba a hacer un disco malo. Le avalan nada más y nada menos que quince años al frente de una banda de renombre como Sigur Rós. Su debut en solitario se llama ‘Go’ y es una de esas muestras preciosistas de música, uno de esos discos fascinantes a cada paso que, tras haberlo escuchado, uno siente la absurda necesidad de contárselo a todo el mundo.

Producido por el mismo Jónsi, por Alex Somers (su novio, con quien ya trabajó en ‘Riceboy Sleeps’) y por Peter Katis (Interpol), el álbum cuenta con la estrella Nico Muhly (Björk, Grizzly Bear, Antony and the Johnsons). Sus arreglos orquestales son, junto con la particular voz de Jónsi y su característica forma de impostarla, la columna vertebral del disco. Básicamente mete en una batidora las cuerdas y la percusión de Final Fantasy, el espíritu épico de Arcade Fire, los últimos trabajos de Sigur Rós y una instrumentación por momentos excesiva (aunque nunca fuera de lugar). A grandes rasgos, así suena ‘Go’.

Con semejante bagaje y apoyo a sus espaldas, no es de extrañar que Jónsi esté magnífico en las canciones más delicadas (‘Hengilás’, ‘Kolni∂ur’, ‘Tornado’, ‘Grow Till Tall’), pero también en las más movidas (‘Go Do’, ‘Animal Arithmetic’). Sin embargo, hay tres joyas fundamentales en el disco: ‘Around Us’, la triste pero fascinante ‘Sinking Friendships’ y la que quizá sea la mejor, ‘Boy Lilikoi’. Una canción excepcional, una montaña rusa melódica en la que la sección de viento explota en el momento justo y en la que la percusión ejerce un poder hipnótico que impide que la olvides. Ni aunque te des de cabezazos contra la pared hasta que te hartes.

Farala.

Lali Puna: ‘Our Inventions’ (Morr Music, 2010)

2010-07-06T14:03:00.000-07:00

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El pasado mes de abril vio la luz el cuarto álbum de estudio de Lali Puna, el cual aparecería vía Morr Music bajo el significativo título Our Inventions. Mucho se dijo de la nueva obra de los alemanes, pues conforme los avances del largo iban regando la red, hubo algunos que se apuraron en señalar que lo de Lali Puna se había quedado en el tiempo y que, por lo mismo, su nuevo trabajo no merecía la pena. Las referidas impresiones que encontraron cabida en ciertas personas afirmaban su razón de ser en el hecho de que Markus Archer había estado poniendo mayor cuidado en su proyecto The Notwist, motivo por el cual permitió que Lali Puna, su empresa más especial, depare material insignificante. Pero apelando a los indicios que arroja el nombre del álbum, ¿acaso la agrupación no intentó traer a colocación una vez más sus invenciones?

Las invenciones de Lali Puna son, en esencia, sutiles canciones surgidas de una personalísima conjunción entre el Pop y la electrónica Indie, que nada más ver la luz en 1998 hallaron casa en Morr Music. Así diciendo, es inevitable afirmar también que Our Inventions no contiene más que una nueva colección de canciones de los alemanes, por lo que esperar más de él no tiene caso. Los diez tracks del álbum se cuidan bien de ir más allá de lo que en sus principios consiguiera engendrar Lali Puna, de suerte que ni siquiera la consabida participación de Yukihiro Takahashi en uno de ellos logra conferir nuevos bríos a la música del álbum. De ahí que aquellos que se hayan perdido los trabajos previos de Lali Puna puedan con toda tranquilidad introducirse en su música Our Inventions mediante, pues en esta nueva obra, de índole introspectiva, encontrarán las mismas bondades habidas en sus precedentes: los suaves riffs de guitarra eléctrica que armonizan la mayoría de los tracks; los sintetizadores que se pueden mostrar tan apagados como luminosos; las líneas de bajo tubular que ascienden o descienden según lo requieran los temas y, por supuesto, la suave voz de Valerie Trebeljahr. Puede que fragmentos la mar de exquisitos como “Remember?”, “Move On”, “Safe Tomorrow” o “That Day” sobresalgan un punto por sobre el resto, pero no se alejan ni por un momento de la excelencia registrada en el material que siempre acostumbró despachar la agrupación.

En resumidas cuentas, han pasado los años y Lali Puna sigue inalterable en su impronta; el modus operandi seguido de cara a la construcción de las canciones de Our Inventions es exactamente el mismo que los alemanes adoptaran en sus principios, como si se hubieran asido de él con fuerza y ya no quisieran saber de otras fórmulas. Y lo cierto es que a la agrupación le sienta bien su modo de hacer, de forma tal que en su nuevo álbum no se echa en falta esa evolución que, a veces con sobradas razones, tanto se les exige a otros artistas. En definitiva, quienes busquen esa magia sincera que sólo existe en la más pura simplicidad, hétela aquí… en Our Inventions…

Gerardo.H.

Friska Viljor: ‘For New Beginnings’ (Green Ufos, 2010)

2010-07-05T19:08:00.000-07:00

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Daniel Johansson y Joakim Sveningsson son un par de pobres chicos suecos que se las vieron y se las desearon para superar sus respectivas rupturas sentimentales. ¿Y? Cómo el resto de seres humanos… Claro, pero es que ellos decidieron hacerlo de una manera cuando menos original: formando su propia banda (Friska Viljor) para sacarse los fantasmas de encima (ya nos gustaría a muchos seguir su ejemplo, pero es que para eso hay que saber tocar algún instrumento musical…) Eso sí, la idea llegó a sus cabezas tras las pertinentes charlas terapéuticas entre ambos bien regadas con alcohol (esto es más fácil de llevar a cabo… ¿quién no se acordó de la madre del que inventó el dicho: “noches alegres, mañanas tristes”?) Una vez unidos como dúo artístico, fueron construyendo su debut, “Bravo!” (Crying Bob, 2006), cuyo título denotaba aparentemente que Daniel y Joakim habían logrado quemar todo los recuerdos y olvidarse de sus (aquí cada uno que coloque el adjetivo que considere más oportuno) ex-parejas. Aunque quedaba una pizca de resquemor, como reflejaban dos cortes de ese disco: “I Gave My Life” y “We Are Happy Now (La La La)”. Dos años después, llegaría la continuación a su particular terapia conjunta: “Tour De Hearts” (Sony BMG, 2008). Se supone que el salto transcurrido entre los dos discos hubiese sido suficiente para que ambos, por fin, dejasen dejar atrás su pasado doloroso y pusiesen orden en el caos de sus corazones. Parecía que habían alcanzado el final del túnel: “On And On” y “The Cure” daban fe de ello.

Llegados a ese punto, y de cara al tercer capítulo de su historia, se podría pensar que la excusa de estos tipos para componer sus canciones no podría ir más allá de lo que durasen sus penurias emocionales. Estamos de acuerdo en que se escriben mejores letras bajo depresión, pero debían elegir entre seguir con el mismo cuento (con el consecuente riesgo de resultar un poco cansinos) o cambiar de tercio. Se decidieron por lo segundo. Con todo, como nuestra especie es tan previsible, después de salir del pozo les entraron ganas de ponerse filosóficos: ya se sabe, cuando nos recuperamos de una catástrofe personal toca pensar sobre la vida misma y otras cuestiones místicas. No estamos seguros de si recurrieron a algún clásico del género espiritual del estilo de Santa Teresa de Jesús (en Suecia tendrán la suya propia…) para rendir homenaje a su “vivo sin vivir en mí, y tan alta vida espero, que muero porque no muero”, porque precisamente el verbo morir es el más repetido en el comienzo de “For New Beginnings” (Cargo / Green Ufos, 2010). Ya vemos por dónde van los tiros de los actuales Friska Viljor: nuevos comienzos… Sólo faltaba que dijesen que este es su álbum de madurez (sí, creo que algo de eso comentaron por ahí en alguna entrevista). Sin embargo como buenos suecos que son, no se olvidaron de cuáles son las virtudes del pop, y trataron de que el supuesto mensaje trascendental que querían hacer llegar a todo el mundo no afectase al sonido de sus canciones: pulcro, brillante y perfectamente acabado. El habitual del país de IKEA.

Volviendo a la apertura de “For New Beginnings”, Daniel y Joakim utilizan el concepto de muerte para reivindicar justo lo contrario: la vida. “Daj Daj Die” (recomendada para cantar a coro con los colegas, pongamos por caso, en un pub irlandés) la eleva a la categoría de maravillosa, e “If I Die Now” tira de ese pensamiento que, unos más y otro menos, tuvimos todos alguna vez: imaginarnos qué ocurriría si nos muriésemos, pero quitándole el tono macabro a la broma. El paso del tiempo y sus consecuencias es otro tema recurrente en el disco, visible en “People Are Getting Old” y “Hibiskus Park” (ocultan tras de sí el miedo de sus autores por ver cómo envejecen ellos mismos y los que están su alrededor), y “Manwhore” y “Lakes Of Steep” (muestrario de mil y una inseguridades). Ante tales dudas existenciales, incluso recurren al sol, al astro rey, para encontrar respuestas (las folkies “Sunny Day” y “Should I Apologize”). A estas alturas, no sé si hubiese sido mejor que hubiesen seguido con sus letanías recordando traumas amorosos… Claro que algo de eso hay, era imposible que no hablasen de su tema favorito, por eso “Hey You” y “I Want You” recuerdan la razón de ser del grupo.

“For New Beginnings” no ofrece toda la fiesta que se suponía iban a dar Daniel y Joakim a la tercera intentona. Nadie está capacitado para dar consejos a otros, pero si yo estuviese en la piel de alguno de los dos intentaría seguir tratamientos más convencionales para obtener la recuperación total. Porque una cosa es escuchar canciones ajenas para chapotear en el fango de la miseria individual, y otra es componerlas uno mismo para hacer lo propio y no ser capaz de salir del charco en cuatro años. Tampoco quiero ser cruel ni quitarles mérito: “no hay razón para buscar el sufrimiento, pero si este llega y trata de meterse en tu vida, no temas; míralo a la cara y con la frente bien levantada”. Friedrich Nietzsche dixit.

Jose Antonio Martínez.

Blacanova: 'Blacanova' (Foehn, 2010)

2010-07-03T19:34:00.000-07:00

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¿Has sentido alguna vez que alrededor de ti el tiempo se para durante una décima de segundo? Sí, yo también supongo que esto ha ocurrido únicamente en mi cabeza, pero mientras escuchaba 'Debe Ser', en el minuto tres y treinta y cuatro segundos, ha pasado. Ha sido sólo eso, una décima de segundo, pero es tal y como lo cuento. Inmediatamente después, todo lo que a mis ojos no era más que un fotograma congelado, se ha movido a una velocidad mucho más rápida de lo normal hasta recuperar el tiempo perdido. Como cuando ves un vídeo online en Internet y la mala conexión hace que vaya a trompicones. O cuando sientes que te vas a caer al vacío y algo que no sabes qué es, hace que te agarres a la vida de nuevo.

Sí, supongo que el hecho de que todo sucediera mientras escuchaba el LP de Blacanova debe de ser algo casual. Pero lo cierto es que la música paró, sonó un click y a partir de ese instante ya no estaba ante el mismo disco. Sonó justo ese click que te hace ver de forma cristalina lo que hasta entonces parecían solo pistas difuminadas, ese que normalmente se da en la cuarta o quinta escucha y que aquí ha ocurrido en el minuto tres de la segunda canción.

Las atmósferas que crean estas diez canciones tienen alma, son nubes grises que te abrazan y amenazan llover. Las voces susurran historias creadas con la misma ternura que tienen los protagonistas de Freaks, la poesía de Pizarnik o un vientre tras una cesárea. Enamoran desde el dolor o el sufrimiento. Y después está lo de lance a su hijo por la ventana. No sé si todas las críticas van a empezar con esa frase, pero si lo hacen tampoco estaría mal. Porque hoy en día es imposible encontrar algo así por aquí: un grupo que suena tan brutalmente bien y que encima sabe escribir.

¡Ah! y 'Los Buenos Días' es todo un hit que te coge por sorpresa cuando menos lo esperas. El hit de un disco que huye del single más obvio y ha utilizado casi una hora de magia para meter las diez canciones que lo forman. Diez puntos de sutura para que no se abra esta extraña cicatriz que me ha salido en el pecho e impida que se me escape el corazón.

Manolo Domínguez.

The Baseballs: ‘Strike!’ (Warner, 2009)

2010-07-02T03:12:00.000-07:00

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Un buen día los alemanes Sam, Digger y Basti se conocían en un local de ensayos en Berlín y poco más tarde se iniciaba el proyecto The Baseballs, que finalmente veía la luz en las tiendas el pasado mayo de 2009, en forma de su primer álbum ‘Strike!’, que llega ahora a España después de haber sido un rotundo éxito en Alemania, Escandinavia y una buena parte de los países centroeuropeos, llegando alto en cada una de sus listas. La clave de este éxito reside en apostar sobre seguro, ya que The Baseballs no crean temas; se limitan a revisar canciones más o menos actuales y a reeditarlas pasándolas por el filtro de los años cincuenta. Además, no le hacen ascos a nada: en el tracklist de su disco podemos encontrarnos desde el ‘Crazy in Love’ de Beyoncé, hasta el ‘Bleeding Love’ de Leona Lewis, pasando por el ‘Hot’n'Cold’ de Katy Perry.

La mayoría de los temas se mueven entre los medios tiempos (‘This Love’ de Maroon 5) y los ritmos más acelerados, jugando con distintos estilos, principalmente el Rock & Roll americano de la época, pero con toques country (‘I Don’t Feel Like Dancin’ de los Scissor Sisters) o cercanos al jazz (‘Let’s Get Loud’ de JLo). Lo cierto es que la producción está muy bien cuidada y la reconversión de estilo está tan bien conseguida que la gran mayoría de los temas podría colar como escritos en mitad de los 50. Si a esto le sumamos que son bastante guapos, una cuidada imagen rockabilly y una estupenda ambientación retro de sus videoclips, tenemos una banda apta para todos los públicos que gusta y provoca curiosidad a partes iguales. Es más, podríamos decir que algunas canciones incluso molan más que las originales.

Por supuesto, esta idea es de todo menos nueva; ya han existido bandas dedicadas a estos menesteres, cada una especializada en un estilo, como Nouvelle Vague, Mike Flowers Pop o los Petersellers, así que alguno podrá decir, “OK, así que éstos son Il Divo en versión à la Elvis Presley” y nosotros diremos que sí, que lo son, pero con la diferencia de ser unas mil veces más divertidos. Aquí os dejamos su visión del ‘Umbrella’ de Rihanna, canción con la que han aterrizado en España esperando cosechar el mismo éxito que ya han tenido en media Europa.

Ann O’Nadada.

To Rococo Rot: ‘Speculation’ (Domino, 2010)

2010-07-01T04:11:00.000-07:00

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To Rococo Rot, es un trío formado por Stefan Schneider y los hermanos Robert y Ronald Lippok (este último conocido también por el celebrado dúo Tarwater); desembarcaron en la escena electrónica hace aproximadamente una década, justo en un momento en el que la precisión digital y la abstracción instrumental convergían en nuevas e interesantes direcciones para la música contemporánea. Sus primeros discos, “Veiculo” y “The Amateur View” (City Slang, 1997 y 99), eran piezas de futuro imperfecto, altamente complejas y trufadas de felices encuentros sonoros. Su último álbum, “Speculation” (Domino, 2010), celebra la incertidumbre basculando entre el sonido de las manos sobre los instrumentos reales y las ondas de pulso eléctrico, en un punto medio entre la propulsión atómica y la intención de dejarse llevar. Grabado en el estudio de la mítica banda de kraut-rock Faust, y con puntuales aportaciones de Jochen Irmler, su séptimo álbum de estudio franquea una vez más las barreras establecidas entre el post-rock y la música electrónica.

Había quien les daba por perdidos en sus abstracciones electrónicas pero el aterrizaje de los hermanos Lippok y Stefan ™ Schenider en el estudio de los míticos Faust les ha dado nuevos bríos analógicos. “Speculation” es un ejercicio orgánico, seductor e hipnótico con bajos que navegan como una versión dub de Can, baterías de caja avejentada y teclados envolventes. Una nube tóxica de trance tranquilo y vintage como no se oía desde los tiempos de Tago Mago. Para rematar la excelente faena, el primer single del LP viene remezclado por otro alquimista del estudio, el inglés, residente en Berlin, Shackleton.

Zigor Cavero.

Aufgang: Aufgang (InFiné, 2009)

2010-06-30T14:25:00.001-07:00

La historia de Aufgang da comienzo a principios del nuevo siglo en Nueva York, cuando Rami Khalifé y Francesco Tristano se conocen en la prestigiosa escuela Juilliard School, donde ambos reciben clases de piano. Aficionados tanto a las enseñanzas clásicas como al delirio discotequero, pronto empiezan a colaborar en una música que trasciende etiquetas. El trío se completa con Aymeric Westrich, un ex batería que llega a Nueva York para recorrer junto a ambos la escena de clubes de la ciudad.

Tocando en una galería de arte barcelonesa fueron descubiertos por Jeff Mills quien, impresionado, los propuso para tocar en el festival Sónar. Desde ese momento, el trío se empeña en estructurar sus canciones en base a un lenguaje original, que nace del encuentro de lo acústico y lo electrónico, impulsado por influencias diversas, y adornado por un impetuoso flujo de improvisación.

Usando los dos pianos como máquinas, y enfrentándolos a la batería, Aufgang genera una música que es tan sorprendente como poderosa. Sus temas son profundamente orgánicos y se revelan verdaderamente en directo, donde son capaces de crear el caos más absoluto a través de la comunión con el público.

Derrick May dijo que el techno era como encerrar a George Clinton y Kraftwerk en un ascensor con el único acompañamiento de un secuenciador de ritmos. Posiblemente, los pianistas clásicos –y formados en las mejores escuelas del mundo– Francesco Tristano Schlimé y Rami Khalifé dirían que “Piano.2”, eslogan con el que impulsan la idea detrás de Aufgang, sería como juntar a Derrick May con Luciano Berio en ese mismo ascensor con la única compañía de un piano de cola y un laptop (si es que el piano cabe, claro está). Una vez establecido ese marco de trabajo, las posibilidades estéticas son numerosas y atractivas, como demuestra “Aufgang” (Infiné, 2009), un debut en el que Francesco y Rami –acompañados del tercer vértice de este triángulo, el compositor electrónico Aymeric Westrich, el hombre detrás de los beatboxes y los ordenadores– sitúan la plasticidad luminosa del teclado del piano en un contexto nuevo, recubierto de bleeps y sonidos microscópicos, de beats techno y efectos de sonido heredados de la tradición electroacústica. Y si por un momento esta descripción te ha hecho activar tu sentido arácnido de precaución ante la posibilidad de un discurso pedante sólo para los excéntricos consumidores de alta cultura, no te preocupes: a Aufgang les motiva ser populares. Como ellos mismo dijeron a lo largo de esta extensa charla acaecida en el loft barcelonés en el que reside Francesco Tristano, “el piano es un instrumento ideal para hacer música de baile”. Comenzaron a darse a conocer en el festival Sónar (uno de los temas del álbum se titula precisamente así, "Sónar") y este año regresaron al Sonar Hall para cerrar el círculo.

Javier Blánquez.

Baby Dee: A Book Of Songs For Anne Marie (Drag City, 2010)

2010-06-29T20:22:00.000-07:00

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Baby Dee regresa de su noviciado con las Little Sisters of Crabby Doom para entregar su tercer álbum "A Book Of Songs For Anne Marie", material en el que mantiene su sonido minimalista y profundamente emocional. Con su amigo Antony Hegarty (Antony And The Johnsons) como referencia obvia, no solo por su música sino también por ser una suerte de icono transgénero, Baby Dee hace 12 piezas de pop experimental, sin asomo de melodías o estribillos, que con fineza va armando con una instrumentación que en la mayoría de los temas se limita al piano o al harpa clásica, ejecutada por la propia Dee, dándole a la música un aire antiguo, exagerando un poco, casi medieval, que combinado con las interpretaciones de Dee, a veces susurrando y declamando más que cantando, crea una atmosfera onírica como si el álbum todo fuera un cuento, que Dee nos está narrando. Con "A Book Of Songs For Anne Marie", Baby Dee deja en claro que sigue haciendo la música que le apetece sin pensar precisamente en las listas de popularidad. Un disco delicadamente transgresor.

Corannieit