Perfume Genius: ‘Learning’ (Matador, 2010)

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Mike Hadreas es un chaval de veinte años cuya única recomendación (a tan temprana edad, es normal y entendible) viene de Gareth Campesinos! (Los Campesinos!). Únicamente la necesita para vender un poco más (aunque Los Campesinos! no tienen el reclamo mediático de U2), pero en absoluto para avanzar por la pasarela del mundo folkie con uno de los trabajos más espectaculares dentro de una producción ultracomedida y basada enteramente en el piano. Diez canciones incluidas en su debut (bajo el alias Perfume Genius) que a duras penas llegan a la media hora y que, no obstante, tienen un relleno y una densidad emocional que instauran un monopolio durante toda la escucha. Según dice Hadreas, se ha pasado toda su vida escondiéndose de las cosas (entendemos malas) que le ocurrieron tanto a él como a su familia y amigos. ¿Quieren un listado facilitado por el propio artista? Porque lo hay. Ríanse ustedes de la infancia de muñecos brillantes como Michael Jackson o Macaulay Culkin: abusos sexuales, adicciones, suicidios. Todo esto forma parte del grupo de experiencias cercanas a la muerte según Hadreas. Y solamente pudo abortar la cuarentena interior mediante la música, y en concreto con éste primer LP, “Learning”, toda una terapia psicológica en plan exhibicionista (por mucho que se tape la cara en la portada).

En el disco encontraremos canciones que parece que siempre han estado ahí, esperando a que alguien las encuentre, que suenan como clásicos del barbudismo (género musical donde englobamos a otros hombres tristes como Damien Jurado o J. Tillman, por ejemplo). Es el caso de la homónima “Learning” y su tristísimo piano, “You Won’t B Here” (construida sobre arpegios en escalas básicas y un coro que secunda una melodía ensoñadora), la canción de madrugada catártica que es “No Problem” o la tristeza de gospel de “When”. Por supuesto, no solamente es piano y voz y tampoco estamos hablando de Rufus Wainwright, aunque los arreglos semielectrónicos tienen un cometido más atmosférico que estridente; en “Look Out, Look Out” una voz de transistor se mezcla con un reverb ambiental muy leve; y en “Gay Angels” se utilizan teclados extensos a lo David Lynch, coros de catedral y la superposición de voces. Otro de los puntos fuertes de esta nueva promesa son las letras, más hirientes que una promesa rota, sobre todo las de “Mr. Peterson”, en la que habla sobre el suicidio de un ser querido (fijémonos, de paso, cómo deja aire a la canción cuando construye sobre melodías cortas para dejar que el peso lo lleve el piano). Es en éste tema donde por única vez menciona influencias externas: Joy Division es la banda escogida. Los sucesos que han inspirado a Hadreas se caracterizan por ser completamente personales, como trasluce “Write To Your Brother” y la historia de una tal Mary que se supone que debe recordarle a alguien que su madre le trata como a un amante y que debe evitar decir tonterías sobre ella, en lo que parece un diálogo-pensamiento sacado de un hecho real.

Las canciones del debut de Perfume Genius (y, si somos afortunados y el mundo es un lugar lo suficientemente romántico, del resto de su futura carrera) vienen con un manual de instrucciones invisible. Como ocurre en “Perry” (por decir una), el mensaje que transmiten únicamente podrá captarse si uno directamente las interioriza durante un momento espiritual importante o se encuentra psicológicamente afectado (para bien o para mal). Un poco como sucede con la música personalísima de Chan Marshall en sus etapas más depresivo-autodestructivas. El final de la mencionada “Perry”, un tanto psicodélico de sonidos agudos de guitarra casi chirriantes, lo atestigua. Hay lava ardiendo bajo este volcán en apariencia tranquilo. Degústenlo, pero con cuidado. Ya dijo David Foster Wallace que la gente no sabía lo que se decía cuando asociaba la literatura con tumbarse en un sofá y leer bajo la luz de una lamparilla IKEA. Lo mismo aquí. Los pianos crepusculares (en “Never Did”, especialmente sangrantes) y la estética lo-fi pueden a uno cambiarle la vida, aunque sea durante media hora. Si no me creen, intenten escuchar de una sentada una recopilación de Satie, y luego traten de ser felices.

Jordi Guinart.

Pájaro Sunrise: Done / Undone (Lovemonk, 2009)

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"Desde el primer disco, Pájaro Sunrise (Lovemonk, 2006), hasta la finalización de ‘Done/Undone’ han pasado dos años en los que el orden de las cosas se ha dedicado a jugar a Enredo y a beber café con anís. Entre la crisis global y el regreso de Eto'o el grupo tuvo tiempo de dejar de ser un grupo, de grabar una cantidad ingente de canciones y de echar una mirada al pasado en la que había no poco de susto.

Done/Undone es el fruto de la desmesura de ese tiempo, por eso es un disco doble. O mejor dicho, son dos discos en uno que reclamaban estar separados a pesar de que un solo CD hubiese bastado para contener los setenta minutos que duran. Done por todo lo que estaba llegando a su final –y en mi vida eran muchas cosas-; Undone por todas las posibilidades nuevas que surgían de ello.

De las veintidós canciones que lo componen, sólo un tercio estaba pensado para el grupo; el resto eran grabaciones caseras que hice por pura necesidad y que no requerían nada más de lo que ya tenían. Sin saber muy bien cómo, unas y otras se fueron mezclando y ya no fue posible separarlas.

En cierto sentido, las dos versiones que incluye –una por disco- también cierran una etapa de mi vida: la que va de agosto de 1991, cuando con doce años recién cumplidos escuché por primera vez ‘The River’, a enero de 2008, ya alejadísimo de Springsteen y rendido admirador de los Silver Jews.

No sé si habrá más discos de Pájaro Sunrise y, de haberlos, no tengo ni idea de cómo serán, tanto han cambiado las cosas desde que hace casi cuatro años -aún antes de que Mario Delgado se uniese al grupo- empecé a jugar a grabar música con Pepe López. Ahora, cuando aquellos días parecen tan lejanos que cuesta creer en ellos, estas canciones deben ser la mejor forma de recordarlos".

Yuri Méndez, alma máter de Pájaro Sunrise.

Gracias al SIF Fest (Sevilla Indiferente) pude descubrir entre otros, a esta formación que practica un introspectivo Folk, amalgama de dolor y esperanza, y aunque en el aspecto técnico, ajenos a ellos, la actuación dejó bastante que desear, se pudo disfrutar de una verdadera joya sonora 'Sunday Morning Birds' que, a continuación adjunto.

Howe Gelb & A Band Of Gypsies: Alegrías (Eureka, 2010)

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Howe Gelb podría apalancarse en el sofá de su bien ganada reputación, pero prefiere los saltos sin red, los discos con vida propia y el cosquilleo de la incertidumbre. Su nuevo trabajo tiende un puente entre Arizona y el Guadalquivir.

"Alegrías", el recién estrenado disco de Howe Gelb & A Band Of Gypsies, tiene trazas de disco impar. De aventura irrepetible. De uno entre un millón. Resumiendo mucho, es el resultado del encuentro en Córdoba de Howe Gelb –jefe de Giant Sand–, Raimundo Amador –el más acreditado embajador de la guitarra flamenca en territorio rock: Veneno o Pata Negra no se entienden sin él– y el gran John Parish, quien se encargó de mezclar el álbum. Lin Cortés, Añil, Panki, Ramos y Tøgher T. Lund completan la banda de gitanos que acompaña a Gelb. Seguro que eso les suena, porque Band Of Gypsies fue el último grupo formado por Jimi Hendrix antes de su fallecimiento y Jimi Hendrix es el artista no flamenco más influyente en Raimundo Amador, quien publicó con Pata Negra un sensacional disco de blues, flamenco y rock llamado "Blues de la Frontera"; casi veinticinco años después, parece cerrar un círculo imaginario con éste trabajo, en el que comparte canciones con el padrino del rock fronterizo.

Así, entre guiños, homenajes y alegrías, discurre un disco peculiar y extraño, lleno de detalles que parecen casuales, aunque quizá no lo sean. No hablamos de una obra redonda, pero sí de álbum del que se pueden rescatar algunos minutos realmente inspirados ‘4 Door Maverick’, ‘Cowboy Boots On Cobble Stone’, ‘Blood Orange’, ‘Uneven Light Of Day’, y que conviene aplaudir por su voluntad de mantener el diálogo entre dos géneros –rock y flamenco– que todavía no se han dicho todo.

César Luquero

Tulsa: Espera la Pálida (Subterfuge, 2010)

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Tulsa, capital mundial del petróleo, es también capital nacional del desamor. La banda liderada por Miren Iza demostró en ‘Solo me has rozado’ (Subterfuge, 2007) saber sacar oro musical de los pozos del desengaño y el desánimo. Vuelven a demostrarlo el 19 de enero del 2010 con ‘Espera la pálida’ (Subtefuge, 2010), y con todavía mayor elocuencia.

Siguen adheridos a la Americana en su facción alternativa, pero se mueven entre rock, country y pop del Medio Oeste con letras no en inglés –como hiciera Iza con Electrobikinis–, sino en perfectamente honesto castellano. "Solo volvería a escribir en inglés si me enamorara de un americano, me llevara a vivir a Wichita y después de 20 años viviendo allí, en nuestra casa móvil, sintiera que es hora de que me entiendan mis vecinos", me dice Miren en una carta. Y pienso, ¿para cuándo el libro de relatos? La gran narrativa le sale sola. Que dé el salto, como Willy Vlautin.

Por lo comentado hasta ahora, ‘Espera la pálida’ podría haberse llamado ‘Solo me has rozado, la venganza’. Y en realidad es una bestia distinta, más calmada y a la vez más fiera, si esto tiene algún sentido. Sí, lo tiene: su fuerza está en su serena amargura y la delicadeza de matiz. El productor Karlos Osinaga (Lisabö) parece haber inspirado al grupo a eliminar todo lo superfluo, concentrarse en la esencia de sonido y sentimiento, grabar en directo –y sin revolver demasiadas tomas; salvando las voces, todo se registró en una sola semana– para capturar la pulsación de la verdad. Podríamos hablar de South San Gabriel, pero quizá sería mejor hacerlo de Centro-matic, por su sonido más naturalizado.

Hay letras sobre el desamor, por supuesto. Al fin y al cabo, esto es Tulsa, meca del corazón roto. "Algo dentro de mí se ha roto / se ha partido como una nuez / Había pedido que esto no nos pasara a ti y a mí", canta Miren en ‘Algo ha cambiado para siempre’; los efectos son dolorosos a la vez que placenteros; hablamos de música para yonquis del hundimiento. Pero también hay mucho de recapitulación, de admisión del concepto consecuencia, de parada y reflexión antes de iniciar otra serie de catastróficas –o inspiradoras, según se mire– desdichas.
En eso también se detecta una madurez nueva en la banda. Se acerca el final del disco –mejor en vinilo, o digital, por la versión de Nick Cave– y con la última pisada de ‘Barro’, uno siente sanar las cicatrices, superar tornados y granizo. ‘Espera la pálida’: repara y protege.

Juan Manuel Freire

Recomiendo no pasar por alto ‘Te Ofrecí', Tulsa en estado puro.

Jubilee: A Place Called Home (Grabaciones en el mar, 2010)

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La desconocida banda que debutaba en un lejano 2003 con ‘The Ghost Orchestra’ (Mushroom Pillow), vuelve para recordarnos que todavía se pueden hacer grandes canciones de ese pop atemporal, provocador de tarareos pegajosos y adictivos, que juguetea sin complejos con la psicodelia o el folk americano. Los once temas de ‘A Place Called Home’, grabados en directo en los estudios Sequentialee de Andújar (Jaén) con intrumentos vintage, te llenan tanto de nostalgia y de emociones encontradas que no importan las etiquetas, ni qué día marca hoy el calendario. Llega el momento de sacar el vinilo de su funda, colocarlo en el plato y dejarte llevar a otra época. A cuando descubriste a los Beatles o a Eric Clapton, a tu adolescencia, al momento en el que dejaste pasar a ese gran amor. O a ayer mismo cuando te sentiste triste sin saber muy bien por qué.

Pedro Cantudo, líder de Jubilee y productor de proyectos como Tarik y la Fábrica de Colores, Limousine o Los Flamingos, reabre la caja de Pandora de la mano de Grabaciones en el Mar con este nuevo trabajo para el que se auguran directos y algo más de movimiento que con su primer LP. La masterización se la encargaron a los ilustres estudios californianos Golden, el horno del que salieron cositas la mar de interesantes de gente como Sonic Youth, Eleni Mandell o Chris Isaak.

Abriendo el álbum nos encontramos con la genial ‘Nobody Waiting At Home’, un piano majestuoso y una letra demoledora que enlaza la soledad de la niñez con la que generan ciertos amores infructuosos. Celebración y optimismo se mezclan en ‘She’s Mine’ o ‘Is My Love What Keeps Me Rolling’. La relajante ‘Sea Dream’ precede a la más sucia y descarada ‘She Never Cared About Love’. Y entre las más folclóricas aparece la deliciosa ‘Riverside Lane’, que contiene los arreglos de cuerda más llamativos del disco.

Justo después, reuniendo un poco de todo lo anterior, nos topamos con ese final sobrecogedor que supone ‘Time Is Over’. El tiempo se acaba, para todo. Eso ya lo sabemos. Pero la sencillez y la elegancia con la que nos lo cuentan Jubilee, hace desear por un instante que el tiempo se pare y aquello que a veces se parece a la felicidad dure un poquito más.

Angèle Leciel

 

Recomiendo no pasar por alto ‘Stay With Me’, una exquisita y seductora melodía, al alcance de muy pocos.

Taking Primavera Sound! 'YEASAYER'.

Yeasayer son una experiencia sensorial en toda regla. Esta banda con base en Brooklyn (New York), y formada por Anand Wilder, Ira Wolf Tuton y Chris Keating, describe surrealistamente su música como “gospel psicodélico de Oriente Medio”. Y es que resulta difícil etiquetar su aproximación al pop experimental, en la que reconocen influencias tan dispares como la electrónica experimental de White Noise, el clásico del R&B Don Convay, o el hip hop de Wreckx-N-Effect. Si a ello añadimos un empaque visual lisérgico y espectacular, tanto en sus videos como en sus directos, está claro que la suya es una formula única.

Una apuesta original que ha llamado la atención de artistas como MGMT, Man Man o Beck, que escogieron a Yeasayer para participar en sus más recientes giras; y del director Vincent Moon que les filmó realizando una actuación a capella en el metro de París para su ya famosa Blogothèque. Tras la aparición en 2007 del su primer álbum, “All Hour Cymbals” (We are free), (cuyo primer single, “Sunrise”, sonó en la serie de TV de culto “Entourage”), el grupo no ha parado de cosechar parabienes en algunos de los más selectos festivales del mundo como el South By Southwest 2007, el Lollapalooza 2008, el Reading/Leeds 2008, el Roskilde 2008, o el Pitchfork Music 2009.

Los de Brooklyn presentaron el pasado octubre, su segundo álbum "Odd Blood" (Secretly Canadian/Mute) con un brillante show lumínico en el Guggenheim de New York, el cual saldrá a la venta el próximo 9 de febrero. Tan sólo un mes más tarde, su inclasificable espectáculo llegará a España: el 16 de marzo en la sala Apolo 2 de Barcelona y el 17 de marzo en la sala Moby Dick de Madrid, además de en el “Primavera Sound 2010”.

Os dejo con ‘Ambling Alp’, single de su citado segundo trabajo, cuyo videoclip está dirigido por Radical Friend y producido por Daft Arts y Spy Films.

Y rescato ‘2080’ como muestra del espectáculo que son capaces de ofrecer.

Boat Beam. El triángulo equilátero del Folk.

La inquietud es una cualidad que el ser humano debería mimar y potenciar hasta la extenuación, hasta alcanzar sus metas, realizar sus sueños, lograr descifrar los enigmas de su existencia; El resultado de viajes, casualidades y coincidencias suele ser el punto de partida de grandes historias, como la que presento a continuación.

Un día alejado de otro cualquiera, Josephine Ayling decidió facturar su funda de guitarra en aeropuertos de Reino Unido y su Australia natal, poniendo rumbo a Madrid e iniciando un cambio en su vida, como solista, desprendiéndose de un exceso de equipaje como componente de bandas del Indie local en Sydney (Terrapin o Sparkadia).

Desde tierras americanas, Alisha Buttke decide dar el mismo paso tras haber participado en diversos proyectos de música clásica, jazz y rock, tocando la viola.

Madrid como testigo de excepción presenciará como la afinidad musical y personal, propiciará el nacimiento de un dúo llamado Boat Beam que inicia un ilusionante viaje melódico a través del sonido underground en pequeños locales de la capital española, ofreciendo billetes de ida a lugares lejanos, y exquisitas delicias instrumentales que protegen en la calidez del hogar. Momento en el cual aparece Aurora, que hasta la fecha había trabajado como chelista con Russian Red, Christina Rosenvinge o Superjelly.

Boat Beam usando las cuerdas de su guitarra, su viola, su chelo y su piano, tejen música que suena a Debussy y Satie pero también a The Cinematic Orchestra y The Divine Comedy. Con sus voces, imposible es no pensar en Fiona Apple o Tori Amos pero también como las que cantarían escritores como Sylvia Plath o Patrick Süskind si se hubiesen dedicado a ello.

Como si se tratase de un partido amistoso entre Laura Marling, Alela Diane y Jenny Lewis contra promesas como Russian Red, Alondra Bentley y Anni B Sweet.

Puzzle Shapes (Origami Records, 2009) es como un día soleado en un festival folk. Resulta realmente fácil dejarse llevar por las melodías de sus diez canciones y el canto de sirenas de Josephine, Alisha y Aurora, más aun cuando hacen que afloren los sentimientos, cuando puedes disfrutar de momentos tan íntimos con “The Rain Pauly” con arpegios y juegos vocales deliciosos; o bucear en el oceánico “Fallin over” con un piano embriagador, que genera un brainstorming de pensamientos y emociones, a veces controvertidas; “Lion Hunt” no es el cuadro de Rubbens, sino el tema más representativo de un Indie actualmente generalizado, con arreglos de corte clásico, que hace de Boat Beam algo más que un simple producto de indie pop, con una buena dosis de sensibilidad que siempre es un valor añadido a la hora de escuchar a nuevos grupos. Y que decir de "One Becomes Two", una auténtica maravilla.

Sus canciones ofrecen un pop clásico, actual, atemporal, que enamoran para siempre a la primera estrofa, que nos regalan sus experiencias, sus pasiones, sus anhelos, sus aventuras… Su vida.

Porque siempre hay una canción.

Manel. Colores Mediterráneos.

Sumergido en una climatología propia del invierno que acontece, en donde gélidas temperaturas procedentes de una ola de frío polar, acompañadas de copiosas nevadas por casi toda la península y, saliendo de un constante y continuo aguacero, demostrando que la mayoría de las ciudades actuales no están preparadas para tales acontecimientos que algunos achacan al archicuestionado cambio climático, descubrí a Manel una de aquellas tardes frías y lluviosas, como contraposición a los universos mediterráneos que su música evoca. Lo hice con temor a la decepción y al aburrimiento después de la polvareda de alabanzas que levantó en la prensa especializada, Els Millors Professors Europeus (Discmedi, 2009), álbum debut de esta banda barcelonesa.

Guillén Gisbert, Martí Maymó, Roger Padilla y Arnau Vallvé forman este combo localizado a medio camino entre el folk y el pop (Beirut, Jaume Sisa, UC, Herman Dune, Pau Riba, Bob Dylan), oscilando como un pino en el viento y acercando su copa a uno u otro estilo según sea más oportuno.

A pesar de ser su primera experiencia en la larga duración el resultado no puede ser más compacto; nada sobra y nada se echa de menos. Els Millors Professors Europeus es un collage de doce piezas exhaladoras de luminosidad y nostalgia a partes iguales, cosidas al lienzo por unas letras trabajadísimas y teñidas de mil colores por una instrumentación que deja las puertas abiertas a ukeleles, banjos, clarinetes, trompetas, trombones, violines y prácticamente a todo aquel que quiera sumarse a la fiesta. Un trabajo que regala optimismo, ironía, surrealismo, vitalidad y una sencillez que contrasta con un sonido redondo y limpio, que no vacío. Un perfecto recorrido por la cotidianidad catalana.

No es fácil señalar las gemas más brillantes de este escaparate de joyería del Passeig de Gracia; aun así no puedo dejar de nombrar el optimismo contagioso que surge en mí con En la que el Bernat se’t Troba, la preciosa (y vergonzosa) declaración de amor que es Ceramiques Guzmán, los coros de la vitalista Nit freda per ser abril o los tonos de atardecer mediterráneo recogidos en la costumbrista Al Mar. Así, la banda construye canciones que hablan de mujeres extranjeras con ancianos de bigotes largos y blancos, de profesores de nudos de corbata, o de tiendas de cerámica donde quizás desearás cambiar de vida para siempre, sin ponerse límites en la paleta de instrumentos.

Manel posiblemente sea el grupo catalán del 2009 y su trabajo el perfecto argumento para derruir de una vez por todas los muros de prejuicios que se han ido levantando alrededor del pop cantado en catalán.

Porque siempre hay una canción.

Aaron Thomas. El ángel de Tasmania.

El australiano Aaron Thomas bautizó su carrera musical en Madrid, donde se trasladó hace cinco años tras los pasos de su mujer actual, de su misma nacionalidad y apasionada del flamenco. Este treintañero alto y desgarbado cogió una guitarra a los 19 años para emular a su admiradísimo Jeff Buckley, en quien se inspiraron sus primeras composiciones, ‘horribles’, según cuenta, ya que intentaba “imitar los gritos agudos de Jeff y el resultado era lamentable”.

Con el tiempo, su técnica y su forma de crear maduraron y sus canciones se fueron haciendo más personales, con un sello de identidad cada vez más patente. Este proceso culminó en su primer disco, “Follow the elephants”, grabado y mezclado en 2008 en Madrid, que si bien no tuvo una gran repercusión, le valió de pasaporte para entrar en el circuito de conciertos de la capital.

El Folk cálido, amable y fácilmente digerible de Aaron Thomas funcionó bien en el boca-oreja y no tardó en ser un habitual de las salas madrileñas. Este mes (((enero de 2010))) verá la luz su segunda apuesta, “Made of Wood”, un disco más ambicioso que, a pesar de aglutinar influencias numerosas y dispares (Elvis Costello, David Bowie, Jacques Briel), destila un sonido más personal y reconocible que el anterior. Con melodías más marcadas, arreglos más trabajados y una producción de lujo (((Valgeir Sigurdsson, técnico de Björk y Bonnie Prince Billy, estuvo a los mandos del multipistas))), no abandona en cambio la candidez, rayana en la ingenuidad, de su primer trabajo.

Las letras de “Made of Wood” tratan lo cotidiano, y a menudo frecuentan la introspección. “Lo que mejor conozco del mundo es a mí mismo, por eso las canciones hablan de cosas que me han pasado, de sentimientos. Uso la música como terapia para sacar lo que llevo dentro. Tengo mis ideas políticas y mis opiniones, por supuesto, pero la música no es mi medio para expresarlas”. Consciente de que el fenómeno Internet se está cargando la industria del disco, el optimista Aaron destaca lo positivo. “Todo esto les ha bajado los humos a las discográficas, los músicos tenemos más libertad de actuación que antes. Además, ahora sólo tendrán salida las bandas que realmente lo hagan bien en directo. Todos esos músicos sin talento que se camuflaban en la producción de un estudio pero luego no cumplían sobre un escenario se quedarán sin trabajo”, concluye.

Texto de ‘Luis Meyer’

Porque siempre hay una canción.

"Joker´s Daughter". La (Re)Creación.

Como si “Suzanne Vega pusiera música a los relatos de los Hermanos Grimm” así son las melodías que hoy os presento.

Me es imposible ocultar mi fascinación por el Folk, algo que cada día va en aumento. Mi última degustación auditiva ha sido Helena Costas, una vocalista-multiinstrumentista de origen chipriota y residente en Londres. Se presenta bajo el nombre de “Joker´s Daughter” ofreciendo un alucinante primer trabajo "The Last Laugh" (Domino/Team Love, 09), que impresiona y cautiva desde su primera escucha. Con la inestimable colaboración de Danger Mouse (Gnarls Barkley) quien produce y co-escribe este álbum de debut, nos sentiremos arropados por la increíble y dulce voz de esta mujer que logrará hacernos viajar por el folk clásico de los años 60 y una electrónica sumergida en pleno siglo 21 (folktrónica) con algunas paradas en la psicodelia vanguardista y el pop intimista.

El disco está lleno de exquisitos temas, ‘Go walking’, ‘Under the Influence of Jaffa Cakes’ (de mis favoritas), ‘JD Folk Blues’ o ‘Lucid’, canciones borrachas de folk pastoral con regusto a campiña inglesa a finales de los sesenta que a golpe de burbujas sintéticas y cuerdas intensas Danger Mouse se lleva a terrenos sutilmente spacey. Por supuesto, a la altura de tales delicias no podían ser menos los videoclips de temas como ‘Worm´ s Head’ o la propia ‘Lucid’, que de la mano de Hayley Morris, (((ganador del Mejor Corto de Animación en el Festival de Slamdance, en Park City, Utah))) refleja a través de combinar la animación a base de papel pintado, hecho exclusivamente a mano, y objetos de una realidad perfecta, el maravilloso mundo interior de Helena.

Si te gustó el “Seventh Tree" de Goldfrapp a bien seguro que Joker´s Daughter no te defraudará. Sin duda, uno de mis discos favoritos en este 2009, en vísperas de concluir.

Porque siempre hay una canción.

"Arizona Baby". Desde el desierto castellano.

Tan psicodélicos como folkies, áridos, sureños. Así podemos describir a una banda que bien podría proceder de la ciudad a la que hace mención su nombre. Pero no, Arizona Baby son Javi, Rubén y Marcos, tres chicos de Valladolid que lleva ahondando desde 2003 en un estilo musical que por fin alcanza su esplendor para sorprender al panorama musical independiente con una de las propuestas más arriesgadas de este año.

Ya en 2005, el trío publicaba su primer disco, titulado 'Songs to Sing Along', un disco que sólo vendían en sus conciertos y del que llegaron a despachar más de 2000 copias.

A principios de este año empezaron a gotear las canciones en varios programas de Radio 3, primero en '180 Grados' y luego en 'Hoy Empieza Todo' y 'Como lo Oyes'. Se trataban de los temas de una reseñable continuación que se puso a la venta el pasado 26 de octubre.

Por el camino, el julio pasado, los vallisoletanos se unieron a otra gran revelación del año: los mallorquines L.A. Lo hicieron dentro del disco de duetos y versiones publicados con motivo del Día de la Música Heineken. Ambos grupos lograron llevar a su terreno el 'Standing in the Way of Control' de Gossip. Y entonces todos volvían a preguntarse quienes eran aquellos chicos.

Subterfuge es la encargada de publicar el nuevo álbum de la banda, titulado 'Second To None', una colección de canciones que pone el contador a cero y hace que Arizona Baby inicien un nuevo camino respaldado por crítica y público. Para este segundo trabajo el grupo se ha puesto a las órdenes de Paco Loco en sus estudios de El Puerto de Santa María, mientras Nathan James en Nueva York fue el responsable de la masterización.

Ellos, sumados a un estilo que va de Johnny Cash a Devendra Banhart sin despeinarse la barba, son los responsables de un sonido que ha logrado sorprender. Porque ningún otro grupo en España sueñan igual. Porque necesitábamos algo nuevo. Porque han llegado en el momento indicado.

Justo antes de poner a la venta su segundo trabajo, Arizona Baby  pasaron por el escenario de Los Conciertos de Radio 3. Tocó descubrirles en primera persona, al menos esa era la sensación que quedaba al leer la nota biográfica que les escribió Chema Rey: "Ante mi tenía la banda mas sorprendente del momento. Y una epifanía de canciones inmaculadas, cabalgando del pasado al futuro en 3 minutos. Y todo con dos guitarras acústicas y una mínima percusión. Indescriptible".

Si disponéis de tiempo y ganas, no dejéis de leer la Nota de Prensa que Chema Rey les escribió.

Con ‘The Truth’ sentiréis como la música que emana de esas juguetonas guitarras acústicas, entrará a través de vuestros poros, y poco a poco os irá dominando con un ritmo tan inquieto que os hará poneros en pie y comenzar a bailar de un modo incontrolable.

Un disco ideal para “los amantes de lo genuino y de lo auténtico”.

"Hello Saferide" y su irónica ternura.

“Hello Saferide” podría ser el saludo de un taxista muy propio o…el nombre artístico de una cantante también muy propia. En este caso hablamos de la segunda, Hello Saferide es Annika Norlin.  Esta cantante y compositora de Östersund (Suecia), trabajaba como periodista y dedicaba sus ratos libres a escribir canciones, cuando en 2005 publica varias en internet, entre ellas el tema Highschool Stalker sobre una enamorada y pizpireta  acosadora que bebe los vientos y se pasa el día espiando al chico que le gusta en Internet. Rápidamente se convierte en un hit. Veloces, las discográficas empiezan a interesarse por ella y ese mismo año publica su  álbum debut (Introducing… Hello Saferide, Razzia 2005), pop alegre con guitarras acústicas, palmas, trompetas y coros que invitan a bailar,  historias que hablan de sentimientos  sin complejos, de  amores,  de amistad, de situaciones cotidianas de la vida.

Entonces, pasa de ser una periodista musical y colaboradora en varios programas de radio (con una guitarra que su padre compró en una subasta), a tener un contrato con una discográfica, manager, giras por Asia, Europa, Brasil y a generar mucha  expectación. Un poco abrumada por la repentina atención, Annika decide tomarse un tiempo y grabar un pequeño disco en sueco Säkert, Razzia 2007, que llega a ser disco de oro y por el que obtiene 2 Grammys suecos como mejor cantante  femenina y mejores letras.

En 2008 publica su tercer disco More Modern Histories from Hello Saferide, Razzia en el que de nuevo encontramos sus historias acompañadas esta vez por  una guitarra más eléctrica. Mientras componía ha pensado en discos de Randy Newman, Carole King, Heavenly, Wilco, Jonathan Richman, Kirsty Maccoll, Lyle Lovett, The Siddeleys…y en el que podemos escuchar colaboraciones de Maia Hirasawa, Andrea Kellerman o el productor Andreas Mattson (Ppsicle) entre otros.

Texto: B.B. Pomona (Fikasound)

Quiero centrarme en su proyecto paralelo y personal, "Säkert" y recomendar con creces "Allt som är ditt", una auténtica maravilla.

Disco ideal para "los amantes del POP con Mayúsculas".

Russian Red en formato electrónico

En su primera colaboración con Lovemonk, Nelue ha llamado a la cantante de folk Russian Red para dos de los cuatro temas. “Deconstructed” y “Pierced Heart” son dos sabrosos cortes en clave nu-disco con un pie en la pista y otro en el área del pop sofisticado. Podríamos seguir con montones de adjetivos pero creemos que la música habla por si, así que sube el volumen y deja que el sonido te invada!