Fitness Forever: ‘Personal Train’ (Elefant, 2009)

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Desde Italia, llega Fitness Forever, una propuesta de luminosidad retro, con aires disco y pop directos desde los años 70 o incluso primeros 80. La banda, liderada por el napolitano Carlos Valderrama, es una de las apuestas de Elefant para 2009 y está teniendo bastante buena aceptación. Después de fichar por EMI, acaban por no llegar a un acuerdo, y es entonces cuando Elefant entra en escena y ‘Personal Train’ se convierte en el atractivo proyecto que hoy tenemos en nuestras manos.

El cuarteto se forma en 2006. A Carlos se unen “Big Tony” Fresa, Scialdone y la parte femenina indispensable que aporta Paster. Como dicen en su biografía promocional, piensan que “una banda de pop moderna necesita absolutamente una cantante femenina guapa que pueda posteriormente dejar el grupo por una carrera en solitario como ya han hecho Gwen Stefani o Nina Persson”. Y les ha quedado fenomenal.

Con canciones como ‘Vacanze a Settembre’, una de las más luminosas del LP, te plantas de pronto en una playa en septiembre, cuando el verano sigue presente pero las puestas de sol ya huelen a otoño y a cambio. ‘L’anarchica pugliese’, ‘Monica’ y ‘Probabilmente’ son temas de puro pop que podrían recordar a Richard Hawley mezclándose con canciones de, por ejemplo, Cecilia Ann con una Rita Pavone o Mina al frente, haciéndose cargo de la situación.

‘Bacharach’ o ‘D’estate’ son otros dos de los regalos retro dentro de ‘Personal Train’, bailables y positivas, con arreglos sorprendentes. Entre las instrumentales, que hay varias, encontramos más de una maravilla, como la delicia que supone ‘Albertone’ y esos silbidos que dan más paz que otra cosa. ‘Je Je Jeox’ pasa por los ritmos de Brasil mientras que ‘Outro’ es una delicia de cuerdas y metal que da paso a la última pista del álbum con una elegancia digna de las bandas sonoras de Mancini. Todo un descubrimiento. Me declaro completamente fan.

Angèle Leciel.

The School: ‘Loveless Unbeliever’ (Elefant, 2010)

Quienes opinen que el “revival” de los “girl-groups” de los 60 es el mejor que podía experimentar la música actual han encontrado en The School la nueva banda a la que venerar. Estrictamente no son una banda de chicas, pero a diferencia de lo que sucedía con muchas de las formaciones femeninas promovidas por Phil Spector o recientemente las Pipettes reclutadas por Monster Bobby, aquí sí es una chica quien más manda. Todas las canciones excepto dos en las que ha participado el guitarrista Simon Stone, también a los coros, están escritas en solitario por la líder Liz Hunt.

No es el único parecido con Camera Obscura, donde también Tracyanne suele escribir en solitario. También en el tipo de fotografías, letras y referencias a los 60 y a los 50, The School son el sustituto perfecto de la banda en Elefant, que apunta The Shirelles, The Supremes o The Marvelettes como influencias principales. Otras veces los parecidos extraídos pueden ser más peregrinos. ‘Can’t Understand’ parece un tema de la última etapa de Belle & Sebastian, y como se te ocurra que ‘I Want You Back’ se parece a ‘En algún lugar’ de Duncan Dhu y ‘All I Wanna Do’ a ‘Everybody Knows (Except You)’ de Divine Comedy, no te lo podrás quitar de la cabeza.

Sin embargo, homenajes y parecidos casuales aparte (un título como ‘Hoping and Praying’ no puede sino hacer pensar en ‘Wishin’ And Hopin’ de Dusty Springfield), lo importante de verdad es que ‘Loveless Unbeliever’ recopila todas las canciones importantes que el grupo ha ido editando en singles durante los últimos años, junto a otras a la altura. Está ‘Let It Slip’, que debería ser un himno atemporal, y no falta ‘I Don’t Believe In Love’ de la banda sonora de ‘Yo también’, junto a su nuevo single ‘Is He Really Coming Home?‘. Las letras, que buscan constantemente un hombro en el que apoyarse cuando tu propio cuerpo no te permite sostenerte en pie (‘Shoulder’), remiten a noviazgos y a rupturas típicas de la adolescencia. “Me encanta todo, todo sobre ti. Haría cualquier cosa por abrazarte”, “dijo que siempre sería honesto y que nunca me dejaría”, “si alguna vez me dejas, ¿te irás inmediatamente con ella o aguantarás tú solo?”, etcétera. Historias sobre celos deliciosamente orquestadas en la producción de Ian Catt (Saint Etienne, Niza), que no encuentran un punto bajo en las trece pistas de ‘Loveless Unbeliever’. ¿Alguna vez te has cansado de ver ‘Grease’?

Sebas.

Sad Day For Puppets: ‘Unknown Colors’ (HaHa Fonogram, 2008)

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Su EP ‘Just Like a Ghost’, editado a principios de año, es una preciosidad que auguraba un disco aún mejor. ‘Unkown Colors’, dentro de su corrección, parece que tampoco aporta nada excepcional a la escena sueca actual. Aunque su pop de aires naïf con distorsiones siempre tiene algún aliciente para los que gustan del género. Sad Day For Puppets están en la línea de otras bandas suecas como The Concretes, con un apunte guitarrero a lo Cardigans en una mezcla que resulta bastante atractiva.

Si empiezas a degustar los temas poco a poco te encuentras con un puñado de buenas y bonitas canciones pop. La voz de Anna Eklund se mantiene en su sitio y aporta frescura a las canciones. Entre Jeanette y Tracyanne Campbell, su voz también me recuerda a veces a Russian Red. Y mientras escucho a Sad Day For Puppets, me gusta imaginarme de vez en cuando que Lourdes se ha montado un grupo poperillo y nos deleita con cosas así. Ja.

Todos los temas del álbum pasan el umbral de una calidad más que decente, pero echo de menos la súper canción que se desmarque del resto. En realidad todas están bien. Unas más alegres que otras, otras más oscuras… ‘Mother’s Tears’, con el sonido más sucio de todo el disco, puede parecerse a The Raveonettes con esos punteos distorsionados y simplemente mola tal cómo es. ‘Cherry Blossom’ y ‘Last Night’, bastante bailables y enérgicas, le dan vidilla al conjunto. ‘Lay Your Burden On Me’ es una nana preciosa que junto a ‘My Twin Star’, ‘When The Morning Comes’ o ‘Withering Petals And Dust’ reafirma que sigue habiendo baladas que, lejos de la ñoñería, ponen los pelos de punta y encogen las entrañas.

A falta del veredicto del directo, Sad Day For Puppets demuestran con este disco que tienen talento para hacerlo mucho mejor sin caer en la rutina cómoda de hacer todo eso que ya conocemos.

Angèle Leciel.

We Have Band: ‘WHB’ (Naïve, 2010)

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Allá por 2007, We Have Band presentaron dos canciones a través de Internet. Dos canciones más o menos bailables que tuvieron un cierto éxito en la escena independiente. Sin embargo, después desaparecieron casi hasta ahora, que publican ‘WHB’, su álbum de debut. En él se incluyen ‘Oh!’ y ‘Divisive’, los dos temas mencionados anteriormente. El primero tiene un comienzo un poco fangorio, y perfectamente podría ser un descarte del ‘Odyssey’ de Fischerspooner. El segundo tiene un toque más luminoso, pero ambas se alejan bastante al tono general del álbum, que resulta un poco más oscuro.

La prensa, sin embargo, se ha encargado de encumbrarlos haciendo extrañas comparaciones. Entre Hot Chip y Animal Collective, aunque no se parecen especialmente a ninguno de los dos. Sí hay que comentar, sin embargo, que el productor de ‘WHB’ es Gareth Jones (Grizzly Bear, These New Puritans), lo que añade un punto a favor del álbum.

Pese a su inclinación hacia la electrónica bailable, We Have Band no consiguen destacar especialmente en sus canciones nuevas. Quizás es que se habían puesto el listón demasiado alto revelando sus dos mejores composiciones con demasiada anterioridad. Al final terminas pensando “¿tres años para esto?”. Aunque el disco se deja escuchar. De hecho, es en la segunda mitad de ‘WHB’ donde está lo mejor. Donde se adivinan algunos ecos de Joy Division o de The Smiths (en la parte vocal) en ‘Centerfolds & Empty Screens’, que se confirma como una de las mejores canciones del LP y un ejercicio de electrónica sucia bastante interesante. Encadenada con ‘Hear It In The Cans’, ‘You Came Out’ y con ‘Hero Knows’ como colofón final, We Have Band dejan ver que ‘WHB’ podría haber sido mucho más interesante. Habrá que seguir esperando.

Farala.

Yann Tiersen: ‘Dust Lane’ (Mute / PIAS, 2010)

Yann Tiersen publicará su nuevo disco, ‘Dust Lane’, el próximo 4 de octubre. Para lanzarlo al mercado ha fichado por Mute. En España le distribuirá PIAS. El álbum ha sido producido por Yann Tiersen y Ken Thomas (Sigur Rós, M83, Moby, Psychic TV, PiL, Cocteau Twins…) e incorpora “sonidos y texturas de electrónica vintage”, que Tiersen ha descrito como “un viaje por el polvoriento sendero que nos lleva hacia la muerte. No se trata de nada triste, sino de una experiencia colorista, dolorosa a veces pero esencialmente placentera: ¡la vida!”.

Una de las piedras angulares de ‘Dust Lane’, según el mismo Yann Tiersen, es el lanzamiento hace unos meses del EP ‘Palestine’. Ici,d’ailleurs pidió a varios miembros del colectivo This Immortal Coil, entre los que estaba Matt Elliott como Third Eye Foundation, que hicieran su propia lectura de esta emblemática pista. El resultado puede escucharse en Spotify, aunque no está confirmado si la revisión de ‘Palestine’ de Yann Tiersen irá en el álbum o sólo es su punto de partida por estilo.

El autor de ‘Le Phare’ y de las bandas sonoras de ‘Amelie’ y ‘Goodbye, Lenin’ también ha anunciado tres fechas en nuestro país en las que presentará el nuevo disco:

13 de noviembre: Sant Jordi Club (Barcelona)

16 de noviembre: La Riviera (Madrid)

19 de noviembre: Sala Rockstar (Bilbao)

El 'CONTEMPOPRANEA' deja Alburquerque.

Ayer por la tarde, en la web del festival Contempopránea encontrábamos una noticia en la que “la organización” agradecía a público, artistas y demás implicados su entrega y pasión en la recientemente celebrada edición, ya la decimoquinta, que tenía lugar una vez más en la localidad pacense de Alburquerque.

Sin embargo, en el mismo comunicado, el festival denuncia en un tono muy amargo que de nuevo público y personal propio del festival, e incluso artistas, han vuelto a sufrir no solo la carencia de alojamientos que dicha población sino también el abuso que de ello se llega a generar, con precios abusivos a cambio de viviendas a menudo indignas de ese nombre. He aquí el texto íntegro:

“Cerrar y abrir un nuevo ciclo.

Gracias a todos un año más.

Gracias al público que con su exquisito comportamiento y entrega ha hecho que no olvidemos jamás esta 15ª edición. Gracias a los técnicos por su profesionalidad y por hacer que todos los artistas se sintieran motivados. Gracias a los artistas por darlo todo en el escenario.

Gracias a todos los trabajadores y trabajadoras del festival por atender con cariño a nuestro público y por su entrega con el festival. Gracias a los medios de comunicación por hacer de altavoz, y gracias a los sponsors por su apoyo en estos tiempos difíciles.

Pero no todo ha estado a nuestro favor, nuevamente, hemos tenido que padecer los graves inconvenientes de un alojamiento caro y de mala calidad. Han sido muchas las cartas recibidas denunciando hechos muy lamentables con muchos alquileres de casas particulares. A este respecto, y para despejar toda sombra de duda, la organización del festival nunca ha tenido nada que ver con la gestión de las casas de alquiler ni con aquellos que la gestionan. Siempre nos hemos limitado a informar en la web del festival de las diferentes opciones de alojamientos, y un año más, nos hemos sentido engañados y nuestro público estafado.

Nosotros también hemos sufrido los abusos llegando a pagar cifras desorbitadas por casas en el pueblo o pagando casas sin un mínimo de habitabilidad.

Hemos tenido problemas para alojar a nuestro personal técnico, a los artistas… muchas veces la producción del festival ha peligrado por no disponer de un alojamiento cercano.

Hemos aguantado esta situación por amor a nuestro festival y a nuestro pueblo, pero después de 15 ediciones y viendo que el problema no solo continúa sino que crece, nos vemos en la obligación moral de cerrar un ciclo y abrir otro.

Pedimos disculpas al público que se vio involucrado en alguna de estas situaciones, ajenas al festival, y que han contribuido a deteriorar la buena imagen del festival.

Una situación que viene repitiéndose año tras año, y que injustamente viene padeciendo un mayor número de asistentes. Un público que se deja el dinero y su exquisito comportamiento no puede ser tratado de esta manera por un sector de la población sin escrúpulos. Aquí tenemos el cuento de la gallina de los huevos de oro.

Ahora nos toca a nosotros “la organización” pensar en el futuro del festival, cerrar y abrir un nuevo ciclo, por el pop y por vosotros.

Gracias a todos.”

De momento, no hay más anuncios al respecto. Confiamos en que este veterano festival solvente pronto esta circunstancia y no suponga traba alguna para la celebración de próximas ediciones. ¡Ánimo!

The Drums: ‘The Drums’ (Moshi Moshi, 2010)

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El fantasma del hype ha perseguido a The Drums desde que se estrenaran con su primer single, ese irresistible ‘Let’s Go Surfing’. Casi por norma, ocurre que las bandas con singles tan enloquecedoramente inmediatos como éste, difícilmente esquivan la sospecha de ser una one-hit wonder, a menudo alimentada por su propio público potencial. Y aunque singles y EPs previos con canciones como ‘Best Friend’, ‘I Felt Stupid’ o ‘Submarine’ son igualmente certeros, también han hecho crecer aún más la expectación y hacían ya imprescindible superar la prueba-del-disco-de-debut. ‘The Drums’ llega así con esa excitante aura que acompañaba a los míticos debuts de Arctic Monkeys, Oasis, The Stone Roses o The Smiths.

No es casual que, pese a ser nacidos en Florida y residentes en Brooklyn, las referencias que inmediatamente saltan a la mente para hablar de The Drums sean británicas. Viendo sus fotos y sus vídeos, nadie pestañearía si le dijeran que son de Brighton. Y en lo musical, el propio Jonathan Pierce (cantante y frontman) cuenta que su primer objetivo era montar una banda que sonara como The Wake (grupo de Factory Records en el que militó un tal Bobby Gillespie, pre-Primal Scream). Y aunque no sea exactamente así, esa influencia es perfectamente palpable en la típica rítmica afterpunk de todas y cada una de sus canciones, solo que en este caso se fusiona, muy acertadamente, con aquel melódico espíritu twee de bandas de Sarah Records como The Orchids o The Field Mice. La fórmula puede resultar obvia a priori, pero lo cierto es que pocos (me atrevo a decir que solo los suecos The Radio Dept.) han logrado sacarle partido y, desde luego, nadie con el magnetismo, la imagen y la frescura de estos cuatro chicos.

“Solo escribimos sobre dos sentimientos: uno es el del primer día de verano cuando tú y todos tus amigos estáis sentados al borde de un muelle viendo la puesta de sol y te sientes abrumado por todos tus sueños y esperanzas a la vez. El otro es cuando estás solo caminando bajo la lluvia y te das cuenta de que estarás solo para siempre”. Así de simple, el mensaje de sus letras huye de lo trascendente y se centra en el eficaz manual de lo emotivo desde un punto de vista un tanto pueril, llenándolo todo de “heart”s, “forever”s (sobre todo “forever”s) y “skies”. Como en el caso de sus colegas de The Pains Of Being Pure At Heart, lo apuestan todo a ese furor post-adolescente que, ya sea por empatía o por añoranza, resulta terriblemente excitante.

Esa excitación es especialmente acusada en una primera mitad del disco arrolladora. A las ya conocidas ‘Best Friend’, la imprescindible ‘Let’s Go Surfing’ y el glorioso single ‘Forever And Ever, Amen’, se suman las estupendas ‘Me And The Moon’, ‘Skippin’ Town’ y ‘Book Of Stories’. El baladón de aire 50’s ‘Down By The Water’ sirve de transición a una segunda parte del álbum menos enardecedora pero igualmente disfrutable, que muestra facetas distintas del grupo como el fraseo a lo Buddy Holly de ‘It Will All End In Tears’, el medio tiempo de estribillo glorioso ‘We Tried’ o la semi-acústica ‘I’ll Never Drop My Sword’.

‘The Future’, último corte, es quizá lo más flojo de todo el álbum y hace pensar precisamente en eso, el futuro. ¿Qué ocurrirá con el segundo álbum de The Drums? ¿Les habrá superado el éxito para entonces? ¿Cumplirá las altas expectativas? ¿Regresará la sombra del hype? De poco sirve pensar en ello. Mejor será abandonarse ahora a este álbum de (repetimos) aura mítica que para muchos de nosotros será el sonido del verano de 2010. Forever, forever, forever, forever, forever, forever, forever…

Raúl Guillén.

Jónsi: ‘Go’ (Parlophone, 2010)

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Es difícil encontrarse un disco en el que las dos primeras canciones, ya de por sí, te parezcan insuperables. Pero más difícil es todavía que seis canciones y cuarenta minutos después, te des cuenta de que carece por completo de temas de relleno. De que no tiene ni una sola canción mala. De que desde el primer segundo te ha hecho entrar en el juego y ahora quieres ponértelo de nuevo porque es uno de esos álbumes emocionantes que no se ven todos los días.

Estaba claro que Jónsi no iba a hacer un disco malo. Le avalan nada más y nada menos que quince años al frente de una banda de renombre como Sigur Rós. Su debut en solitario se llama ‘Go’ y es una de esas muestras preciosistas de música, uno de esos discos fascinantes a cada paso que, tras haberlo escuchado, uno siente la absurda necesidad de contárselo a todo el mundo.

Producido por el mismo Jónsi, por Alex Somers (su novio, con quien ya trabajó en ‘Riceboy Sleeps’) y por Peter Katis (Interpol), el álbum cuenta con la estrella Nico Muhly (Björk, Grizzly Bear, Antony and the Johnsons). Sus arreglos orquestales son, junto con la particular voz de Jónsi y su característica forma de impostarla, la columna vertebral del disco. Básicamente mete en una batidora las cuerdas y la percusión de Final Fantasy, el espíritu épico de Arcade Fire, los últimos trabajos de Sigur Rós y una instrumentación por momentos excesiva (aunque nunca fuera de lugar). A grandes rasgos, así suena ‘Go’.

Con semejante bagaje y apoyo a sus espaldas, no es de extrañar que Jónsi esté magnífico en las canciones más delicadas (‘Hengilás’, ‘Kolni∂ur’, ‘Tornado’, ‘Grow Till Tall’), pero también en las más movidas (‘Go Do’, ‘Animal Arithmetic’). Sin embargo, hay tres joyas fundamentales en el disco: ‘Around Us’, la triste pero fascinante ‘Sinking Friendships’ y la que quizá sea la mejor, ‘Boy Lilikoi’. Una canción excepcional, una montaña rusa melódica en la que la sección de viento explota en el momento justo y en la que la percusión ejerce un poder hipnótico que impide que la olvides. Ni aunque te des de cabezazos contra la pared hasta que te hartes.

Farala.

The Baseballs: ‘Strike!’ (Warner, 2009)

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Un buen día los alemanes Sam, Digger y Basti se conocían en un local de ensayos en Berlín y poco más tarde se iniciaba el proyecto The Baseballs, que finalmente veía la luz en las tiendas el pasado mayo de 2009, en forma de su primer álbum ‘Strike!’, que llega ahora a España después de haber sido un rotundo éxito en Alemania, Escandinavia y una buena parte de los países centroeuropeos, llegando alto en cada una de sus listas. La clave de este éxito reside en apostar sobre seguro, ya que The Baseballs no crean temas; se limitan a revisar canciones más o menos actuales y a reeditarlas pasándolas por el filtro de los años cincuenta. Además, no le hacen ascos a nada: en el tracklist de su disco podemos encontrarnos desde el ‘Crazy in Love’ de Beyoncé, hasta el ‘Bleeding Love’ de Leona Lewis, pasando por el ‘Hot’n'Cold’ de Katy Perry.

La mayoría de los temas se mueven entre los medios tiempos (‘This Love’ de Maroon 5) y los ritmos más acelerados, jugando con distintos estilos, principalmente el Rock & Roll americano de la época, pero con toques country (‘I Don’t Feel Like Dancin’ de los Scissor Sisters) o cercanos al jazz (‘Let’s Get Loud’ de JLo). Lo cierto es que la producción está muy bien cuidada y la reconversión de estilo está tan bien conseguida que la gran mayoría de los temas podría colar como escritos en mitad de los 50. Si a esto le sumamos que son bastante guapos, una cuidada imagen rockabilly y una estupenda ambientación retro de sus videoclips, tenemos una banda apta para todos los públicos que gusta y provoca curiosidad a partes iguales. Es más, podríamos decir que algunas canciones incluso molan más que las originales.

Por supuesto, esta idea es de todo menos nueva; ya han existido bandas dedicadas a estos menesteres, cada una especializada en un estilo, como Nouvelle Vague, Mike Flowers Pop o los Petersellers, así que alguno podrá decir, “OK, así que éstos son Il Divo en versión à la Elvis Presley” y nosotros diremos que sí, que lo son, pero con la diferencia de ser unas mil veces más divertidos. Aquí os dejamos su visión del ‘Umbrella’ de Rihanna, canción con la que han aterrizado en España esperando cosechar el mismo éxito que ya han tenido en media Europa.

Ann O’Nadada.

Jubilee: A Place Called Home (Grabaciones en el mar, 2010)

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La desconocida banda que debutaba en un lejano 2003 con ‘The Ghost Orchestra’ (Mushroom Pillow), vuelve para recordarnos que todavía se pueden hacer grandes canciones de ese pop atemporal, provocador de tarareos pegajosos y adictivos, que juguetea sin complejos con la psicodelia o el folk americano. Los once temas de ‘A Place Called Home’, grabados en directo en los estudios Sequentialee de Andújar (Jaén) con intrumentos vintage, te llenan tanto de nostalgia y de emociones encontradas que no importan las etiquetas, ni qué día marca hoy el calendario. Llega el momento de sacar el vinilo de su funda, colocarlo en el plato y dejarte llevar a otra época. A cuando descubriste a los Beatles o a Eric Clapton, a tu adolescencia, al momento en el que dejaste pasar a ese gran amor. O a ayer mismo cuando te sentiste triste sin saber muy bien por qué.

Pedro Cantudo, líder de Jubilee y productor de proyectos como Tarik y la Fábrica de Colores, Limousine o Los Flamingos, reabre la caja de Pandora de la mano de Grabaciones en el Mar con este nuevo trabajo para el que se auguran directos y algo más de movimiento que con su primer LP. La masterización se la encargaron a los ilustres estudios californianos Golden, el horno del que salieron cositas la mar de interesantes de gente como Sonic Youth, Eleni Mandell o Chris Isaak.

Abriendo el álbum nos encontramos con la genial ‘Nobody Waiting At Home’, un piano majestuoso y una letra demoledora que enlaza la soledad de la niñez con la que generan ciertos amores infructuosos. Celebración y optimismo se mezclan en ‘She’s Mine’ o ‘Is My Love What Keeps Me Rolling’. La relajante ‘Sea Dream’ precede a la más sucia y descarada ‘She Never Cared About Love’. Y entre las más folclóricas aparece la deliciosa ‘Riverside Lane’, que contiene los arreglos de cuerda más llamativos del disco.

Justo después, reuniendo un poco de todo lo anterior, nos topamos con ese final sobrecogedor que supone ‘Time Is Over’. El tiempo se acaba, para todo. Eso ya lo sabemos. Pero la sencillez y la elegancia con la que nos lo cuentan Jubilee, hace desear por un instante que el tiempo se pare y aquello que a veces se parece a la felicidad dure un poquito más.

Angèle Leciel

 

Recomiendo no pasar por alto ‘Stay With Me’, una exquisita y seductora melodía, al alcance de muy pocos.

La Separación de 'The Unfinished Sympathy'.

Hoy es un día triste para el mundo del espectáculo, y no porque Ángel Cristo haya pasado a mejor vida (que también), sino porque una de las bandas de referencia del Indie-Rock patrio, se separa. Ya lo anunciaban ayer los organizadores del festival de aniversario de BCore, que se celebra este fin de semana en Barcelona: "The Unfinished Sympathy serán sustituidos por La Célula Durmiente"; lo que no se podía imaginar es que detrás de esta declaración se encontraba como explicación, la separación del grupo, que ha sido confirmada a través de su Facebook oficial.

“Queridos amigos, os informamos de que THE UNFINISHED SYMPATHY se han disuelto. La banda ha grabado 5 LPs, algunos EPs, ha ofrecido cerca de 400 conciertos por España, Alemania, Inglaterra, Francia, EEUU, Italia, Suiza y Bélgica, y ha vivido y compartido un sinfín de momentos entrañables con amigos y profesionales del mundo entero. Muchas gracias por el apoyo recibido durante 10 años fantásticos. Hasta pronto!”.

La banda de Barcelona, entre el hardcore, el punk, el rock clásico y el pop, había sido una de las más reconocidas por la prensa, especialmente el Mondo Sonoro, desde su nacimiento en el año 2000 y la publicación de su primer disco homónimo. En aquellos tiempos fueron la primera banda española en hacer una sesión para John Peel. Tras la edición de ‘An Investment In Logistics’ y ‘Rock For Food’, el grupo cambió BCore por Subterfuge, donde editaron sus dos discos restantes, ‘We Push You Pull’ y ‘Aviva Dolars’, este último publicado en 2009 y presentado en el FIB, el BAM o más recientemente el SXSW.

El grupo tiene varias fechas pendientes en su MySpace, pero tras la cancelación de la fiesta BCore, no tiene mucha pinta de que estos conciertos vayan a producirse, así que me quedaré con las ganas de verlos en directo. Una lástima, la verdad!!!